El arte mueble paleolítico: tipos de objetos (tema)

Para Leroi-Gourhan, podemos dividir el arte mueble paleolítico en tres grupos diferentes: los útiles y armas, los objetos para colgar o los objetos religiosos.

Útiles y armas

Entre los útiles y armas encontramos distintas decoraciones, con motivos tanto figurativos como abstractos. En general, los útiles menos duraderos, como azagayas y arpones, se decorarían con motivos más sencillos. Sin embargo, otros útiles más duraderos tendrían decoraciones más complejas.

Los bastones perforados o bastones de mando, que tienen decoraciones geométricas o de figuras de animales, se realizan sobre astas y tienen una perforación redonda en uno de sus lados. Se cree que su función sería la de enderezar ciertos objetos, fabricar cordajes, servir como propulsores…

Los propulsores suelen estar hechos de asta y sirven de apoyo a un arma arrojadiza para poder hacer lanzamientos con más fuerza. Generalmente están decorados con figuras animales.

Por su parte, las espátulas son herramientas fabricadas en hueso que debieron utilizarse para cocinar o preparar pieles. De nuevo son objetos decorados con formas animales o geométricas.

Las varillas semicilíndricas suelen ser de hueso o asta y están decoradas con distintas decoraciones geométricas.

Para las flautas y tubos solían usarse huesos de ave, más finos y huecos, y una decoración geométrica.

Bastón perforado - El Castillo

Objetos para colgar

Entre los objetos para colgar encontramos piezas que de algún modo se pueden sustentar mediante un hilo. Su función es principalmente decorativa, pero también pueden tener un significado mágico o religioso.

Se trata de colgantes que pueden estar hechos de concha, dientes, piedra, hueso… y pueden estar decorados o tallados. Pero también pueden ser contornos recortados, fragmentos de huesos planos recortados con la forma de la cabeza de un animal que se cree que iban cosidos a la ropa. Por último, encontraríamos los rodetes, discos de hueso con una perforación en el centro y decoraciones geométricas o animales en una o ambas caras.

Otros objetos que servirían para el adorno son los brazaletes o las cuentas y abalorios.

Rodete de época magdaleniense

Objetos religiosos

Los objetos religiosos serían los más elaborados y se les atribuye esta función por sus características, el respeto a su canon, por el lugar en el que fueron hallados y también por no poder asignarles una función utilitaria.

En primer lugar tendríamos las esculturas, piezas de bulto redondo en gran variedad de materiales. Entre ellas encontramos figuras de animales o de hombres, pero destacan sobre todas ellas las conocidas como “venus”.

Por otro lado tenemos plaquetas o cantos de piedra en los que se ha grabado algún motivo figurativo o abstracto. Similares a éstas son los huesos grabados.

Venus de Lespugue

La escultura ibérica (tema)

La escultura ibérica está formada por pequeñas estatuillas de bronce (utilizadas como ofrendas o exvotos) y esculturas de piedra (arenisca o caliza) de mayor tamaño. Se trata de una escultura con ciertos rasgos orientalizantes y de otros pueblos colonizadores.

Guerrero de Mogente

Entre las pequeñas figuritas metálicas encontramos esculturas humanas, tanto masculinas como femeninas, y esculturas animales. Son exvotos realizados con la técnica de la cera perdida. Cabe destacar el Guerrero de Mogente.

Entre las esculturas realizadas en piedra, con una finalidad funeraria o religiosa, podemos destacar las esculturas de animales (como los relieves del monumento de Pozo Moro) y otros animales fantásticos (como la Bicha de Balazote) que son guardianes de tumbas y lugares de culto y las damas, figuras femeninas, ricamente adornadas con joyas y ricos ropajes. Todas ellas se realizaron durante los siglos V y IV a.C., en la época plena de la cultura ibérica. Además, se sabe que algunas de las piezas, después de talladas, fueron estucadas y pintadas con llamativos colores.

Dama de Elche

Entre las "damas", que podían servir de urnas cinerarias o cumplir el papel de damas oferentes, cabe destacar la Dama de Baza, la Dama de Elche o la Gran Dama Oferente del Cerro de los Santos.

Entre los yacimientos más importantes podemos destacar:

- Santuario del Cerro de los Santos

- Santuario del Llano de la Consolación

- Santuario del Collado de los Jardines

- La Fuentecica

- El Cigarralejo

Gregorio Fernández (1576-1636) (tema y listado)

Gregorio Fernández, nacido en Sarriá, Lugo, en 1576, fue un escultor barroco español, máximo exponente de la escuela castellana, que se caracteriza por su dramatismo y patetismo y por tratarse en muchos casos de grupos escultóricos.

Llega a Valladolid, lugar de la corte de Felipe III entre 1601 y 1606, en los primeros años del siglo XVII y entra en el taller de Francisco del Rincón, con quien se forma.

Gregorio Fernández - Tengo sed (1612)
Imagen: ceres.mcu.es

Sus obras, pasos procesionales y retablos, son tallas de madera que evolucionan desde las tradiciones heredadas del clasicismo, de la elegancia manierista de su primer estilo, hacia un realismo expresivo. Estas obras buscan transmitir dolor y sufrimiento, destacando en ellas la espiritualidad y el dramatismo, casi siempre recogido. 

El realismo mencionado se consigue a través del tratamiento anatómico, que las hace ganar en verosimilitud, del añadido de postizos como ojos de cristal o dientes de marfil y de la gran profusión de detalles en las figuras. Destaca en ellas también la honda expresión de los rostros y la abundancia de sangre y lágrimas.

En cuanto a las vestimentas, cabe mencionar el tratamiento geométrico del drapeado de los tejidos, que aparecen puntiagudos y acartonados, acentuando los efectos lumínicos.

Sus composiciones destacan por ser sencillas y con contención de los gestos. 

Pero además, Gregorio Fernández destaca por ser el creador de modelos para la imaginería barroca española, como los Cristos yacentes, los crucificados o las piedades, ya que sus mejores clientes fueron las órdenes religiosas.

No hay que olvidar que la escultura española de este periodo está muy marcada por los dictados de la Contrarreforma y la decadencia política, económica y social.

Fernández falleció en Valladolid el 22 de enero de 1636.

Gregorio Fernández - Cristo atado a la columna
(Imagen: L. Fernández - Wikimedia Commons)

Entre sus obras destacan:

- Cristo del Consuelo (1610)

- Tengo sed (1612)

- Camino del Calvario (1614)

- Piedad con los dos ladrones (1616)

- Descendimiento de la Cruz (1623)

- Bautismo de Cristo (1624)

- Retablo de la iglesia de San Miguel de Vitoria (1624)

- Retablo de la catedral de Plasencia (1625-1632)

- Cristo de la luz (1630)

- Varios Cristos Yacentes, Cristos atados a la columna, Coronados de espinas, Crucificados e Inmaculadas

Ver también: La escultura barroca en España (tema)

La escultura barroca en España (tema)

La escultura española del siglo XVII tiene mucho que ver con la Contrarreforma religiosa, pues España se erigió como paladín de la fe católica europea. A los férreos dictados de la Contrarreforma se suma la decadencia política, económica y social de la monarquía española, que influirá de manera decisiva en el arte.

Gregorio Fernández - Cristo atado a la columna
(Imagen: L. Fernández - Wikimedia Commons)

La temática de la escultura barroca española es fundamentalmente religiosa, pues se trata de piezas destinadas a la devoción, tanto pública como privada, destacando los retablos y los pasos procesionales. Se pretende instruir y despertar en los fieles con estas imágenes sentimientos de compasión o lástima. La realización de cualquier otro tipo de esculturas no relacionadas directamente con un motivo religioso cesa casi por completo. Además, se produce un aislamiento artístico, pues los escultores ya no viajarán por Europa para contemplar otras obras, sino que se limitarán al ámbito provincial.

El siglo XVII fue esencialmente mariológico por lo que una de las figuras más representada es la Virgen en su juventud o en su papel de madre que sufre. Pero también aparecen otras representaciones de la Virgen así como imágenes de Cristo en las que se le ve lleno de humanidad, como un hombre que sufre y padece, destacando sobre todo los episodios de la Pasión. Por otra parte, destacarán también las esculturas de santos (muchos canonizados en esta misma época) y ángeles.

Como material de la imaginería destaca la talla en bulto redondo de madera policromada y estofada. En estas figuras destaca el realismo, la verosimilitud, que se ve acentuada por el uso de postizos de pelo, cristal para los ojos y tela para los ropajes.

Dentro de la escultura barroca en España nos encontramos dos escuelas:

- La escuela castellana, que tiene como centro Valladolid. Este arte se caracteriza por su dramatismo y patetismo y por tratarse en muchos casos de grupos escultóricos. Entre los artistas tiene especial importancia Gregorio Fernández.

Dentro de esta escuela podemos destacar también el arte realizado en Madrid, representado por Manuel Pereira, por ser esta ciudad el núcleo de la Corte.

- La escuela andaluza, que tiene como centros Sevilla y Granada. Se trata de obras más elegantes y serenas, y destacan entre los artistas Juan Martínez Montañés, Juan de Mesa, Alonso Cano, Pedro de Mena, José de Mora, Pedro Roldán y su hija, Luisa Roldán, más conocida como "la Roldana".

Ya en el siglo XVIII destacará la obra de Francisco Salzillo, máximo exponente del pleno barroco, que irá evolucionando hacia el rococó y el neoclasicismo.

Dama de Elche (obra)

Dama de Elche
(Museo Arqueológico Nacional)

La Dama de Elche es una escultura de piedra caliza que se encuadra dentro del arte ibérico y data de entre los siglos V y IV a.C. 
Fue encontrada de forma casual en La Alcudia de Elche, cerca de la muralla ibérica de la ciudad de Ilici, el 4 de agosto de 1897. Actualmente esta escultura se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico Nacional de España, en Madrid.

Mide 56 cm de altura, pesa unos 65 kilos y se sabe que en origen estuvo policromada y tenía los ojos rellenos de pasta vítrea. Aunque actualmente se trate de un busto, no se sabe si en origen fue una escultura de cuerpo entero que posteriormente se cortó.

Se encuentra ricamente ataviada. Su tocado está formado por rodetes que en realidad serían metálicos y no de piedra, una peineta o tiara, un velo y una diadema adornada con cuentas. Su indumentaria se compone de manto, toga y túnica y se adorna con tres collares que en realidad podrían haber sido de oro.

Su identidad es desconocida y se cree que sus rasgos podrían ser idealizados y no un retrato realista. Además se desconoce si representa a una diosa, a una novia o a una dama de la aristocracia.

La parte trasera de la escultura tiene, al igual que otras "damas" del arte ibérico, una oquedad que podría haber servido para contener las cenizas de un difunto o algún tipo de ofrendas.

Ver también: Dama de Baza (obra)

Luisa Roldán, "La Roldana" (tema y listado)

Luisa Roldán (1652-1704), más conocida como "La Roldana", es una escultora del barroco español cuya obra se centra en la temática religiosa. Se forma en el taller de su padre, Pedro Roldán, maestro escultor de la escuela andaluza, y tras casarse con Luis Antonio Navarro de los Arcos, se instala en su propio taller.

En 1684 talla un Ecce Homo para el convento de las Carmelitas de Cádiz, obra que ahora se encuentra en la catedral. En ella refleja todos los aspectos del realismo andaluz, con una evidente muestra del sufrimiento en los rasgos de Cristo.

En 1687 recibe el encargo del ayuntamiento de San Fernando de Cádiz para realizar las esculturas de San Servando y San Germán, patronos de la ciudad.

Un año después se traslada a Madrid, donde comenzará realizando pequeños grupos escultóricos de terracota policromada, como el Descanso en la huida a Egipto, el Nacimiento o los Desposorios Místicos de Santa Catalina.

La Roldana consigue entrar en la Corte como escultora de cámara de Carlos II y tras la muerte de éste pasa a ser escultora de cámara de Fernando V.

La Roldana - San Servando

Algunas de sus obras son:
- Ecce Homo
- San Servando
- San Germán
- Descanso en la huida a Egipto
- Nacimiento
- Desposorios místicos de Santa Catalina
- Arcángel San Miguel
- Jesús Nazareno
- La Natividad
- Piedad al pie de la Cruz
- Niño Jesús del Dolor

Ver también: La escultura barroca en España

Colosos de Memnón (obra)

Colosos de Memnón
(Imagen: JMCC1 - Wikimedia Commons)

Los colosos de Memnón, unas esculturas del Antiguo Egipto, son los únicos restos que quedan del templo funerario de Amenhotep III. Se sitúan cerca de Medinet Habu, en la orilla occidental del Nilo, y datan del siglo XIV a.C. (XVIII dinastía egipcia). Miden cerca de 18 metros de altura y eran parte de la entrada monumental al templo, estando orientados hacia el este. Están construidos en piedra cuarcita.

Representan al faraón sedente, encima de un pedestal, de una forma típica en el arte antiguo egipcio. Además, a los lados de sus piernas, como es habitual, se representa a la reina Tiy y a Mutemuia.

Su nombre se debe a que por una grieta producida en uno de ellos tiempo después de su construcción se producía cierto sonido al calentarse por la salida del sol y evaporarse el agua, y por ello se creía que eran representaciones del guerrero Memnón, hijo de la Aurora asesinado por Aquiles, que lloraba al amanecer.

Bulto redondo (definición)

El bulto redondo o completo es el que permite contemplar una escultura desde cualquier punto de vista a su alrededor, y por lo tanto, permite al espectador rodearla. La escultura de bulto redondo también puede llamarse exenta.

Arte mueble o mobiliar (definición)

Bastón perforado. Cueva de El Castillo

Los términos arte mueble o arte mobiliar se emplean indistintamente para designar cualquier obra de arte realizada sobre un objeto de dimensiones limitadas y manejables, es decir, que pueden ser transportados por el ser humano. Estas circunstancias hacen que sean movibles y puedan trasladarse por el territorio, hasta distancias muy lejanas del lugar de producción.

Se utiliza sobre todo para hablar del arte prehistórico no parietal, es decir, que no está realizado sobre las paredes.

Las Venus paleolíticas (tema)

Las venus esteatopigias del arte prehistórico son figuras humanas femeninas muy famosas que han sido denominadas de esta forma por comparación con algunas mujeres de comunidades primitivas actuales que acumulan grasa en ciertas zonas del cuerpo, deformando o desarrollando los volúmenes sobre todo de las caderas.

En su mayoría son obras de arte mueble o mobiliar, figuras de bulto redondo confeccionadas en sustancias diversas durante el Gravetiense o Paleolítico Superior inicial.

Tradicionalmente se agrupan según su procedencia y morfología en tres conjuntos: las occidentales, las orientales y las siberianas.

Venus de Willendorf

Las occidentales son mujeres desnudas y sin rostro en cuyas anatomías prevalecen unos senos muy abultados, así como las caderas, piernas tan solo insinuadas y brazos colocados sobre los pechos o bajo ellos. Destacan entre ellas las de Kostienki, Lespugue y Willendorf.

Las orientales o rusas presentan, aun asumiendo el canon prototípico, detalles de ornamentos en cintura, collares y brazaletes, a modo de nivel intermedio entre los otros dos grupos.

Venus de Malta

Las figuras siberianas tienen el cabello largo y sus rasgos en el rostro están casi siempre patentes. Los pechos y caderas son planos y lo que más se marca en ellas es una cabeza voluminosa. Suelen ir vestidas. Destacan las venus de Malta y Buret.

Manierismo: autores y obras (listado)

El fallecimiento de Rafael en 1520 ha sido tradicionalmente utilizado como hito para señalar el inicio del Manierismo italiano. En él, el equilibrio que existía en el modelo albertiano entre la representación del espacio visible y la transmisión de una historia se rompía hacia una prevalencia del concepto. Se descubrió que la deformación de la realidad visual puede ser un recurso muy efectivo para la expresión de ideas y emociones. Por lo tanto, se trata de un arte heterogéneo en el que triunfa la extravagancia, lejos de la imitación perfecta de la naturaleza. Son nuevas formulaciones cada vez más orientadas a un perfeccionamiento extremo de la "maniera" o estilo, con una contaminación de elementos clásicos y modernos, inspiración fantástica e invenciones personales extravagantes.
En cuanto a la representación, se produce un alargamiento del canon, el uso de la figura "serpentinata" y cierto monumentalismo, así como un abigarramiento de las figuras y un "horror vacui". Se utilizan además distintos puntos de fuga fuera del campo de visión y un desplazamiento de la línea del horizonte, que rompe el equilibrio.

Parmigianino
Autorretrato en espejo convexo

Principales autores y obras:
- Giulio Romano: Sala de los Gigantes del palacio de té de Mantua y Sala de Psique del palacio de té de Mantua
- Sebastiano del Piombo: Retratos, Piedad, Flagelación
- Andrea del Sarto
- Jacopo Pontormo: Descendimiento de Cristo
- Rosso Fiorentino: Descendimiento de Cristo, Las hijas de Jetró
- Agnolo Bronzino: Venus abrazada por Cupido
- Giorgio Vasari
- Benvenuto Cellini: Perseo, Ninfa
- Juan de Bolonia: Fuente de Neptuno, Rapto de las Sabinas
- Correggio: Natividad
- Parmigianino

Podrían incluirse dentro del manierismo también las últimas obras de Rafael y la etapa final del arte de Miguel Ángel.

Miguel Ángel (artes visuales) (tema, listado y álbum)

La acumulación de experiencias que se había producido en Florencia durante el siglo XV permitió la maduración a comienzos de la centuria siguiente de varias figuras excepcionales como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y Rafael Sanzio.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) se formó en el taller de pintura de Domenico Ghirlandaio y más tarde en el de escultura de Bertoldo.

En cuanto a la escultura, Miguel Ángel hizo avanzar de forma notoria el modelo artístico heredado intentando mejorar la representación de la realidad visible y la vivacidad de las figuras. Sus esfuerzos se concentraron en el estudio del comportamiento anatómico y expresivo de la figura humana. Como en la estatuaria clásica, el cuerpo humano debía ser un ente orgánico cuya estructura se comportase racionalmente. Los músculos y su movimiento debían funcionar como señal de vida. Su terribilità estaba relacionada con el uso de la exageración anatómica como recurso expresivo. La anatomía también servía como herramienta de captación psicológica. Todo esto suponía cierta ruptura con los principios de armonía de Alberti, sin embargo sus obras servían cono modelos de representación retórica y dramática de las emociones y los conceptos.

Obras:
- Virgen de la escalera
- Batalla de los centauros
- Baco
- Piedad
- David
- Sagrada Familia (Tondo Doni)
- Sepulcro monumental de Julio II
- Redecoración de la Capilla Sixtina
- Sacristía nueva de San Lorenzo de Florencia
- Juicio Final (Capilla Sixtina)
- Esclavos
- Pietà Rondanini

Algunas de las obras realizadas por Michelangelo Buonarroti
Posted by Historia, cultura y arte on Martes, 4 de marzo de 2014

La escultura del Quattrocento (tema)

La escultura participó desde el inicio en la revolución de modelos visuales que se vivió en Florencia durante el primer cuarto del siglo XV. Como en la pintura, los cambios tenían el objetivo último de obtener herramientas para reproducir de forma fiable la realidad visible. En este sentido Alberti definió la escultura como “las artes de los que intentan producir efigies y simulacros en su obra a partir de los cuerpos creados por la naturaleza”. Para adquirir gran eficacia en esa imitación la mejor vía era una combinación de la observación del entorno y el estudio de las esculturas clásicas. Las proporciones trataban de recuperar la monumentalidad y la austeridad de las figuras clásicas. De nuevo el cambio de mentalidad tuvo lugar en Florencia.

Entre las nuevas tipologías destacan los sepulcros, cuyo modelo medieval se renueva para adoptar nuevas lecturas humanistas acordes con las formas clásicas, y los retratos en busto al modo romano, tanto de piedra como de cera, como modo de representación social. Los primeros ejemplares solían reproducir con fidelidad los rasgos del difunto. Sin embargo, la evolución del género llevó hacia una suavización de los rasgos individuales debida a la aplicación de correcciones que intentaban compatibilizar el retrato con los cánones habituales de belleza ideal.

Destacan varios escultores:
- Donatello
- Ghiberti
- Luca della Robbia
- Andrea del Verrocchio
- Pietro Lombardo
- Antonio Rosellino

Principales escultores barrocos italianos (listado)

• Primera Generación
• Maderno
• Pietro Bernini
• Mariani
• Mochi
• Pietro Tacca

• Segunda Generación
• Duquesnoy
• Algardi
• Gian-Lorenzo Bernini

Fuente de los cuatro ríos (obra)

Fuente de los cuatro ríos

Esta fuente fue construida por Gianlorenzo Bernini entre 1648 y 1651 y es el elemento central de la plaza Navona y el de mayor tamaño. Fue inaugurada en junio de 1651. Su factura sigue los esquemas básicos del Barroco: teatralidad, expresividad, escenografía y movimiento. 

Consta de cuatro figuras de mármol travertino que representan a los cuatro ríos más importantes de la época intentando recrear su entorno con una dramática tensión. En estas figuras combina magistralmente el movimiento plástico y delicado con las facciones viriles. 

En el centro se erige un obelisco egipcio de granito de más de 16 metros de altura que fue llevado a Roma por Caracalla o Domiciano, información que depende de las fuentes consultadas.
La representación de los cuatro ríos, de un tamaño mayor que el natural, se lleva a cabo de la siguiente manera (ver imágenes en la parte inferior de la entrada): el Nilo, que tiene los ojos vendados, lo que representa los orígenes desconocidos del río, el Danubio, que mira hacia los emblemas de Inocencio X, el Ganges, que sostiene un remo por su longitud como río navegable, y el Río de la Plata, rodeado de monedas para simbolizar la riqueza americana. Así se representa cada uno de los cuatro continentes conocidos en la época, por los cuales el catolicismo se había dispersado. (Aún no se sabía que Australia, recién descubierta, era un continente). Sus escultores materiales fueron: Giacomo Antonio Fancinelli, Claude Poussin, Antonio Raggi y Francesco Baratta.

Fuente de los cuatro ríos - Estructura de mármol

Es interesante como Bernini concibe una gruta hueca por debajo de las figuras, un truco manierista para que el obelisco parezca suspendido en el aire. Existe además un claro contraste entre el cuerpo inferior, una pila elíptica simple y regular, y el desarrollo vertical de todo el conjunto en movimiento. Su estructura se puede dividir en tres cuerpos principales: la piscina de forma elíptica donde descansa toda la superficie; la estructura de mármol donde están esculpidos los cuatro ríos; y el cuerpo superior, formado por el obelisco. 

La fuente representa figuras de siete animales, además de una paloma en lo alto del obelisco con una ramita de olivo, relacionando el emblema de los Pamphili: un caballo, una serpiente de tierra (en la parte alta, cerca del obelisco), una serpiente de mar, un delfín (que funciona como desagüe), un cocodrilo, un león y un dragón. Los árboles y plantas que emergen del agua y se encuentran entre las rocas también tienen una escala mayor de la real. Los animales pertenecen a especies grandes y potentes, y el espectador descubre nuevas figuras según gira en torno a la fuente, pues estando estático en un solo punto hay figuras que permanecen ocultas o cubiertas por la masa rocosa.

Inicialmente, esta fuente fue encargada a Borromini, pero finalmente se eligió a Bernini, lo que ha dado lugar a distintas leyendas. La historia cuenta que Inocencio X no envió una invitación a Bernini para construir la fuente, pero el escultor consiguió colocar un modelo de plata en una habitación del palacio papal y cuando fue visto por Inocencio X le fascinó y decidió encargarle la obra. Otra leyenda cuenta la rivalidad entre Bernini y Borromini, basada en el grupo escultórico de Bernini en contra de la iglesia construida por Borromini: el Nilo tiene los ojos cubiertos para no contemplar la iglesia de Santa Inés, mientras que el Río de la Plata parece protegerse de su derrumbamiento. Sin embargo, es una leyenda infundada, pues la escultura se terminó antes que la iglesia, perdiendo así sentido esta interpretación.

Su finalidad es tanto utilitaria (proveer de agua a la ciudadanía) como simbólica (representación del poder papal). Su construcción causó gran polémica al ser construida en un periodo de hambrunas y pobreza para el pueblo romano. 

Su contribución e influencia en el urbanismo barroco es notable gracias al gorgoteo que produce el agua y los reflejos de luz que producen destellos e influyen en la arquitectura, avivando la atmósfera del espacio.

Representaciones de los cuatro ríos:

Río Nilo

Río Danubio

Río Ganges

Río de la Plata

La glíptica sumeria (tema)

El arte de la glíptica tuvo en el arte sumerio un capítulo importante a través de los cilindros-sellos, una modalidad artística típicamente mesopotámica. Éstos se usaron en Sumer desde las primeras fases del desarrollo de su cultura. Se trata de piezas de piedra caliza, mármol, alabastro o piedras preciosas, de forma cilíndrica, que llevaban grabada su parte exterior, de modo que al hacerlas girar sobre arcilla fresca dejaban la impronta de su dibujo a modo de friso en relieve que recreaba una escena.
Eran usados para dar autenticidad a las transacciones comerciales, pero además podían tener para su propietario un valor como amuleto.
En ellos se plasmaban gran diversidad de motivos. Con el paso del tiempo su iconografía sufrió transformaciones. En un principio, los temas eran motivos geométricos, escenas cinegéticas o de banquete o de domesticación de animales; al final del periodo de Uruk aparece una iconografía simbólica con luchas entre animales y héroes o seres fantásticos, dando paso finalmente a las escenas mitológicas, de banquetes o de rituales religiosos. Fue entonces cuando apareció un personaje desnudo y con cabello largo que ha sido identificado con Gilgamesh, uno de los principales héroes de la mitología sumeria, al que se representaba dominando a un león, al que arrastraba cogido con el brazo izquierdo, mientras con el derecho sostenía un arma. Esta figura tendrá un gran éxito posteriormente en el mundo simbólico de la iconografía asiria.

La escultura románica (tema)

Es la actividad constructora románica, que empieza en Europa alrededor del año 1000, la que proporciona una gran expansión a la escultura, pues la escultura románica está estrechamente ligada a la arquitectura.
Debido a esto, la escultura se centra sobre todo en el relieve, distanciándose así de la escultura de la Antigüedad, que solía ser exenta. Mientras que el bajorrelieve es empleado especialmente tanto en el prerrománico como durante el primer románico, manteniendo posteriormente funciones decorativas, las representaciones historiadas, como las de los tímpanos o capiteles, se realizan en medio o altorrelieve.

La escultura románica aparece sobre elementos arquitectónicos sencillos. Mientras que en las ménsulas se representan motivos profanos, el dintel es más apropiado para hileras de figuras. Encima del dintel se encuentra el tímpano, que se convertirá en el lugar central y más prominente de la escultura románica.

Relieve del claustro del monasterio de Santo Domingo de Silos
Duda de Santo Tomás

La cabecera superior de la columna está formada por el capitel, sobre el que descansa la bóveda. El contenido simbólico de la columna reside en su origen, es decir, en la forma de árbol: el árbol posee raíces y copa y la columna, basa y capitel.

Se trata de una escultura hierática, de formas estrictamente fijadas, solemnes y rígidas, imágenes que se han formado a partir de las tradiciones religiosas. Los pliegues de las vestiduras, las posturas y la representación de manos y pies se convierten en representativos, dotando a las esculturas de un carácter internacional. Además, el arte románico engloba muchos temas simbólicos que no son accesibles para la comprensión actual.

En esta escultura se produce el uso de una perspectiva jerárquica en la que el tamaño de las figuras depende de su importancia en la escena, además de la llamada "ley del marco", en la que las figuras se adaptan al espacio disponible, llenándolo todo en una especie de horror vacui.

Las escenas se inspiran en textos bíblicos, en los evangelios apócrifos y en los bestiarios. Los temas más frecuentes son el Juicio Final representado como el Cristo pantocrátor rodeado por el tetramorfos (las imágenes de los evangelistas), los veinticuatro ancianos del Apocalipsis y las figuras de los justos y los condenados al fuego eterno. También podemos encontrar el crismón o anagrama de Cristo, tema de origen paleocristiano, el Crucificado (con cuatro clavos, vestido y con los ojos abiertos, expresión de su triunfo sobre la muerte), solo o asociado al Calvario o el Descendimiento. La Virgen sigue la iconografía bizantina de la Kiriotissa o trono de Dios, con una gran frontalidad y una total ausencia de relación con el Hijo que lleva en brazos. Otros temas son los ciclos de la infancia, pasión y muerte de Cristo, y algunas leyendas hagiográficas, especialmente aquellas que hacen referencia al martirio de los santos.

Así, la función de la escultura románica, al igual que la de la pintura, es didáctica, es decir, las imágenes sirven para comunicar el mensaje de la Biblia a la población analfabeta.

Es cierto que la mayoría de los artistas de la época nos son desconocidos, pero no podemos hablar de un anonimato intencionado, pues hasta nosotros han llegado numerosas firmas.

Entrada actualizada en marzo de 2024.

Diosa de las serpientes (obra)

Diosa de las Serpientes

Se trata de una escultura minoica de pequeño tamaño (unos 30 centímetros) conocida como la “Diosa de las Serpientes” y que actualmente se encuentra en el Museo de Heraklion, en Creta. Pertenece al periodo de los nuevos palacios y fue encontrada en el Palacio de Cnossos. Existen cientos de figurillas parecidas que reciben el mismo nombre y que, básicamente, tienen las mismas características.

Es una figura femenina hecha en loza pintada que representa, probablemente, a una sacerdotisa con atributos de la divinidad femenina primigenia, la Diosa Madre, que tendría una gran importancia en el Mediterráneo. Además, esta figurita está representada en la típica posición de orante, es decir, con los brazos extendidos y las palmas de las manos hacia arriba, como implorando al cielo. Continúa con la tradición neolítica de pequeñas estatuillas con carácter de exvoto que se han encontrado en santuarios.

La figura se encuentra ataviada con el típico vestido minoico y lleva un delantal superpuesto. Su silueta es simple y de ella destaca la cintura de avispa y su escote abierto, que podría ser una referencia a la fertilidad, además de las serpientes que lleva enroscadas en los brazos y en el cuerpo, símbolos que pueden representar a la Diosa Madre a través de la simbolización de la fuerza fértil de la tierra. Además la figura está dotada de cierto realismo. Sobre la cabeza lleva un tocado alto sobre el que reposa un animal.

Ver también: El arte del Egeo (tema)

Púlpito del baptisterio de Pisa (obra)

Púlpito del Baptisterio de Pisa
Nicola Pisano

Se trata del Púlpito del Baptisterio de Pisa, una obra escultórica en mármol del gótico italiano (siglo XIII) realizada por Nicola Pisano.
Los púlpitos son unas plataformas pequeñas que se situaban en las iglesias para predicar desde ellas y son estructuras típicas de Italia. Éste rompe con la tradición de los púlpitos adosados a la pared, siendo un cuerpo arquitectónico independiente y convirtiéndose en un modelo nuevo de púlpito que será repetido posteriormente.
Tiene forma hexagonal y se alza sobre seis columnas externas de tradición corintia y una columna central. Tres de las columnas se apoyan sobre leones y la central lo hace sobre una basa con figuras humanas y de animales. Sobre los capiteles se desarrollan unos arcos ligeramente apuntados cuyo intradós está labrado con arcos trilobulados, reflejo de la pervivencia de la tradición bizantina en Italia. En las enjutas aparecen profetas y evangelistas, y en las esquinas, estatuillas con las virtudes cardinales y San Juan Bautista.
Otro rasgo de tradición bizantina es el juego de la policromía de la piedra al combinar mármol de distintos colores.
En la zona superior, separados por haces de columnillas, hay seis paneles o metopas con altorrelieves en los que se representan temas del ciclo mariano (I - II), es decir, temas que tienen relación con la Virgen, como la Anunciación, la Natividad, la Epifanía… Esta decoración mariana es de tradición franciscana, mientras que el lenguaje formal utilizado es de tradición clásica (canon más estilizado, naturalismo en las escenas…).
En toda la parte esculpida se produce el “horror vacui” o miedo al vacío, una característica típica del arte medieval, según la cual todos los espacios posibles deben ser rellenados con relieves.
La influencia clásica es también notable en el tratamiento de los ropajes de las figuras, cuyos pliegues están muy modelados y dan gran realismo a las imágenes.

Apolo y Dafne (iconografía)

Apolo y Dafne
Bernini

Apolo, dios de la segunda generación de dioses olímpicos, es hijo de Zeus y Leto. Fue el dios de la belleza masculina y de la plenitud de la fuerza física, de la luz y del reino celeste. Es un dios benévolo patrono de la poesía y de la música. Es un dios profetizador que se manifiesta a través de sus pitonisas en los oráculos.
Tuvo numerosos amores con ninfas, diosas y mujeres. Entre ellas se encuentra la ninfa Dafne. Esta pasión se la había inspirado el rencor de Eros, irritado por las mofas de Apolo, que le había hecho objeto de burla porque se ejercitaba en el manejo del arco, el arma por excelencia de Apolo. La ninfa no correspondió a sus deseos y huyó a las montañas. Apolo la perseguía, y cuando estaba a punto de ser alcanzada, dirigió una plegaria a los dioses para que la metamorfoseasen para escapar de los brazos del dios. Los dioses consintieron y la convirtieron en laurel (dafne, en griego), árbol consagrado a Apolo.
Bernini plasmó en esta obra el momento en el que, siendo perseguida por Apolo, Dafne comienza a convertirse en laurel.