Ianus Quadrifrons (obra)

Ianus Quadrifrons (Roma, Italia)

En la Vía del Velabro de Roma, cuyo nombre evoca la cenagosa orilla del río en el que la loba encontró a Rómulo y Remo, se erige un gran arco de 12 metros de ancho y 16 de alto con pasos en sus cuatro lados. Esta forma sugiere que hiciera las funciones de cruce cubierto que cobijara a los comerciantes de la zona y que marcara el límite del Foro Boario, no siendo considerado como un arco de triunfo.

En los antiguos registros está inscrito como "arcus constantini", lo cual indicaría que data de la primera mitad del siglo IV d.C.

Las caras exteriores de los arcos se encuentran recubiertas de mármol y presentan hileras de nichos en forma de concha, flanqueados por ornamentales columnas con modillones, que albergarían estatuas.

En la Edad Media se convirtió en una fortaleza.

Puede que fragmentos de una inscripción de este arco formen ahora parte de la cercana iglesia de San Giorgio in Velabro.

Adobe y ladrillo (definición)

El adobe es un paralelepípedo de barro y paja secado al sol, sin cocer al fuego, que se emplea como material de construcción.

Sin embargo, el ladrillo está hecho de arcilla cocida a altas temperaturas, lo que le da mayor consistencia, duración y rigidez.

Exvoto (definición)

Cualquier tipo de testimonio, generalmente trabajado de modo artístico, que se lleva como ofrenda a una divinidad en cumplimiento de una promesa (ex voto), agradeciendo un favor otorgado, etc.

Tesela (definición)

Cada una de las pequeñas piezas de piedra, terracota, vidrio o pasta de diferentes colores o tonalidades que se emplean en la confección de un mosaico.
Proviene del latín tessella que, a su vez, procede del término griego τεσσερες.

Ver también: Mosaico (definición)

Plaza del Campidoglio (obra)

Plaza del Campidoglio
Imagen: Google Maps 3D

La Plaza del Campidoglio de Roma se encuentra en lo alto de la colina Capitolina.

Fue proyectada por Miguel Ángel en 1536 bajo el encargo del papa Paulo III con ocasión de la visita del emperador Carlos V.

Su planta es trapezoidal y se adapta a los edificios ya existentes. Su pavimento dibuja un ornamento en forma de estrella. Sobre los edificios existentes, el Palazzo dei Conservatori y el Palazzo Senatorio, Miguel Ángel previó una reforma en las fachadas de los edificios medievales. Pero además planificó la construcción de un tercer palacio, el Palazzo Nuovo. Tanto en éste como en el Palazzo dei Conservatori se conserva y expone la colección de los Museos Capitolinos.

Según los planos de Miguel Ángel, la estatua ecuestre de Marco Aurelio debía convertirse en el centro que dominara toda la plaza.

Una rampa ancha, la "cordonata", cuyas balaustradas se decoran con esculturas clásicas, hace posible el acceso a la plaza, que no se terminaría definitivamente hasta el siglo XVII.
Como curiosidad, el trazado del pavimento y la estatua ecuestre aparecen en el reverso de la moneda italiana de 50 céntimos de euro.

Pop art o arte pop (tema)

"El arte pop es popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio redondo."

Richard Hamilton.

La recuperación económica tras la Segunda Guerra Mundial traía con ella un consumo que se iba a convertir en una característica definitoria de la nueva sociedad. Debido a la relación del consumo con el arte pop, su desarrollo es mayor en las sociedades más avanzadas económicamente hablando: Estados Unidos e Inglaterra.

Richard Hamilton - ¿Qué tienen los hogares modernos
que los hace tan diferentes, tan atractivos? (1956)

El pop art, cuyo auge se produce en los años sesenta del siglo XX, toma sus temas de la cultura popular de la forma en que la transmiten los medios de masas, con preferencia por los estereotipos. Sus imágenes son las de las revistas ilustradas, la televisión, el cine, la publicidad... Se trata, por lo tanto, de imágenes intrascendentes y superficiales, pues lo que interesa no es la realidad de las cosas, sino su representación.

Por otra parte, el arte pop se integra plenamente en el modo de producción industrial de la época, pues los procedimientos artísticos son industriales: las imágenes se fabrican en serie y se venden como productos de supermercado. El artista, el yo, ya no es el protagonista, sino que lo son las propias imágenes, a través de las cuales los artistas buscan atraer la atención del espectador sobre todas las cosas que la alta cultura había desdeñado.

Formalmente se busca la máxima simplificación, tomando como base los procedimientos de la publicidad y la imprenta: grandes formatos, gama de colores limitada, el enmarque y la repetición de objetos... Desde el momento en que el tema es todo aquello que nos rodea y que hasta ahora había sido despreciado como material no artístico, el trabajo consiste en elegir, manipular, reproducir. Por eso en el pop tiene tanta importancia la copia, la reproducción y la cita.

Entre los autores del arte pop en Estados Unidos podemos destacar a Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg. 

Por otra parte, entre los artistas pop europeos cabe mencionar a Richard Hamilton y David Hockney.

José de Ribera (1591-1652) (tema)

José de Ribera, conocido como El Españoleto, es considerado uno de los grandes artistas del barroco, representante de la corriente naturalista y tenebrista. Tiene ciertas semejanzas con Caravaggio, pero a él el tenebrismo le sirve para introducir misterio en composiciones llenas de serenidad. Es conocido por sus cuadros de mártires y santos bajo una luz tenebrosa. Pero a la vez que tenebrista también fue un gran colorista.

Nació en Játiva en 1591, pero en los primeros años del siglo XVII viaja a Italia, estableciéndose poco después en Nápoles hasta su muerte.

Fue pintor de la realidad, en la que triunfa la representación del carácter individual en sus figuras de viejos o ascetas al igual que en la belleza de los cuerpos varoniles de sus Cristos desnudos. 

Se trata de un maestro de la composición en cuyas obras destaca su monumentalidad. Además, son características de su obra los martirios sin sangre y la interpretación de los temas mitológicos con cierto humor hispano, además de cierto interés por la cultura clásica y la estatuaria antigua.

Pero además de pintor fue un excelente grabador aguafuertista, donde se muestra su gran dominio del dibujo y de las sombras.

Mujer barbuda
José de Ribera

En 1630 entra en contacto con Velázquez y a partir de entonces se produce en su pintura un afinamiento de los grises. Además de la monumentalidad ya mencionada, característica suya fue la descripción de lo característico humano y una indagación en las diferenciaciones del individuo.

Poco a poco y conforme va pasando el tiempo Ribera se va liberando del tenebrismo en los años siguientes, evolucionando hacia la claridad, belleza y armonía y acentuando la riqueza de color en sus obras. No se trata de una transición brusca, sino que sigue recurriendo al claroscuro inicial pero buscando efectos de color más atmosféricos y menos duros. De esta época son obras como Magdalena Ventura con su marido (La mujer barbuda) o la Trinidad de la tierra con san Bruno y otros santos.

Frente al barroco italiano, Ribera huye de las composiciones complicadas a favor de la sobriedad, como ocurre en El sueño de Jacob.

Ribera muere en Nápoles en 1652 dejando una fuerte influencia entre sus seguidores. Ya en el siglo XIX fue el ídolo de las generaciones del naturalismo, como Courbet y los realistas.

Ver también: José de Ribera (listado de obras)

Joaquín Sorolla (1863-1923) (tema)

Joaquín Sorolla y Bastida nace en Valencia (España) en 1863. Huérfano desde muy pequeño, se cría con sus tíos. Tras tomar clases con Cayetano Capuz, en 1878 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, donde se acostumbra a la pintura al aire libre. En 1881 acaba sus estudios y en su primer viaje a Madrid descubre la pintura de Velázquez (a quien veneró), Goya y Ribera. Además entabla amistad con el pintor Ignacio Pinazo y con el fotógrafo Antonio García y su hijo, Antonio García del Castillo, futuro cuñado de Sorolla. Su trabajo junto a su futuro suegro, que le toma como ayudante, le influirá decisivamente en el tratamiento de la luz y el color en sus cuadros.

En la Exposición Regional de Valencia de 1879 presenta dos acuarelas y un lienzo titulado El patio del Instituto, que consigue el primer premio. En 1883 conseguiría una medalla de oro en esta exposición con la obra Monja en oración.

En 1885, becado en la Academia de España gracias a su cuadro El grito del Palleter, termina su formación en Roma (Italia) con el tutor Francisco Pradilla y Ortiz, quien insiste en perfeccionar su dibujo. Allí estudia a Rafael y Miguel Ángel, visita la ciudad, dibuja y pinta según las enseñanzas de sus profesores y se empapa del ambiente artístico romano. Viaja a París con Pedro Gil Moreno de Mora durante un tiempo, identificándose allí con el naturalismo moderno, pero acaba volviendo a Italia e instalándose en Asís.

En 1888 se casa con Clotilde García del Castillo, con quien se instalará en Valencia en 1889 y en Madrid en 1890.

Durante estos años cultiva el realismo social y el costumbrismo pintando cuadros de género, así como retratos de personajes relevantes de la época y de su propia familia.

¡Aún dicen que el pescado es caro! (1894)
Museo Nacional del Prado

Debido a su estilo personal es difícil enmarcarle en las corrientes artísticas del momento, aunque, como ya se ha dicho, se le relaciona frecuentemente con el realismo. En 1894 pinta La vuelta de la pesca, que recibirá la segunda medalla en el Salón de París de 1895 y que se considera la afirmación de su personalidad artística. De esta época son otras obras como ¡Aún dicen que el pescado es caro! o Madre. En sus viajes a París conoce la pintura nórdica del momento, que le llevará a potenciar el luminismo durante 1900 y 1901, con obras con fuertes luces y una paleta brillante que le acercan al postimpresionismo.

En 1904 experimenta con una pincelada larga muy empastada que acabará siendo frecuente en su producción. Su actividad pictórica será ahora muy grande, al igual que su deseo de autosuperación, destacando el dominio de la luz, su amor al mar Mediterráneo, su realismo y su impecable técnica. De esta época es Clotilde en la playa. En 1907 pasa en Biarritz el verano, donde realiza escenas de playa con un acercamiento al impresionismo, con una pincelada más menuda y una paleta baja en intensidad. Posteriormente experimentará con el fauvismo, prescindiendo del dibujo y utilizando colores planos.

Su fama se va extendiendo por Europa con importantes exposiciones en París, Berlín, Düsseldorf, Colonia o Londres. Será en esta ciudad donde conocerá al hispanista Archer Milton Huntington, creador de la Hispanic Society of America, quien le encarga la decoración de la sala principal de la entidad, para la que Sorolla realiza 14 paneles que representan los pueblos y costumbres españolas.

Paseo a orillas del mar (1909)
Museo Sorolla (Madrid)

Pero ya desde 1909 Sorolla expone en Estados Unidos. Es en esta época cuando pinta con luces suaves y una paleta brillante en la que destaca el blanco, como en Paseo a orillas del mar. También seguirá pintando jardines y paisajes y retratos familiares.

Posteriormente se instala en Alicante, donde comienza su etapa culminante. Aunque se le conozca más por sus pinturas mediterráneas, fue un gran paisajista. 

En 1914 es nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en 1920 sufre una hemiplejía que le impide volver a pintar. Muere tres años más tarde en Cercedilla (Madrid).

Ver también: Joaquín Sorolla (álbum)

Op art o arte óptico (tema)

El Op Art o Arte Óptico es una tendencia artística que surge en los años 60 del siglo XX. Su desarrollo se produce en paralelo al de la abstracción pospictórica y al minimal, con el que comparte el uso de elementos geométricos. Además, tiene sus raíces en las vanguardias históricas y en la Bauhaus.

Se producen algunas manifestaciones de este arte en Estados Unidos, pero su centro principal está en Europa, sobre todo en París.

VEGA III - Victor Vasarely

El arte óptico parte de la ambigüedad de la percepción para dar energía a pinturas o relieves y crear una variedad de efectos ilusorios en el espectador. Indaga en la interacción con la ilusión y el plano del cuadro, entre entender y ver. Se da la impresión de movimiento, vibraciones, patrones o deformación. Así, en este tipo de obras se requiere la participación activa del espectador, que debe moverse para apreciar el efecto óptico. Por tanto, no existe ningún aspecto emocional en las obras.

Se suelen distinguir tres momentos diferentes aunque no temporales: en el primero se trabaja con obras bidimensionales aunque se buscan efectos de tridimensionalidad; en el segundo se introduce la tercera dimensión, creando una doble superficie o añadiendo otros objetos al cuadro; en el tercer momento ya es la propia obra la que tiene movimiento.

Heredero de las teorías de la vanguardia rusa de unir el arte con la vida, de armonizar arte y ciencia, técnica y sociedad, el Op Art rebasa el campo de las galerías y sale a la calle. Su triunfo es amplio pero efímero.

Como figura principal de este movimiento hay que destacar a Victor Vasarely.

Friso (definición)

Franja horizontal decorativa que forma parte del entablamento (entre el arquitrabe y la cornisa) en los órdenes clásicos. Por analogía se aplica a toda faja decorativa de desarrollo horizontal que se encuentra en los paramentos, esté pintada, esculpida o caligrafiada.

Gerrit o Gerard Dou (álbum)

Algunas obras de Gerrit Dou

Posted by Historia, cultura y arte on Martes, 25 de marzo de 2014

Edouard Manet (álbum)

Algunas obras de Manet

Posted by Historia, cultura y arte on Viernes, 2 de mayo de 2014

La escultura barroca en España (tema)

La escultura española del siglo XVII tiene mucho que ver con la Contrarreforma religiosa, pues España se erigió como paladín de la fe católica europea. A los férreos dictados de la Contrarreforma se suma la decadencia política, económica y social de la monarquía española, que influirá de manera decisiva en el arte.

Gregorio Fernández - Cristo atado a la columna
(Imagen: L. Fernández - Wikimedia Commons)

La temática de la escultura barroca española es fundamentalmente religiosa, pues se trata de piezas destinadas a la devoción, tanto pública como privada, destacando los retablos y los pasos procesionales. Se pretende instruir y despertar en los fieles con estas imágenes sentimientos de compasión o lástima. La realización de cualquier otro tipo de esculturas no relacionadas directamente con un motivo religioso cesa casi por completo. Además, se produce un aislamiento artístico, pues los escultores ya no viajarán por Europa para contemplar otras obras, sino que se limitarán al ámbito provincial.

El siglo XVII fue esencialmente mariológico por lo que una de las figuras más representada es la Virgen en su juventud o en su papel de madre que sufre. Pero también aparecen otras representaciones de la Virgen así como imágenes de Cristo en las que se le ve lleno de humanidad, como un hombre que sufre y padece, destacando sobre todo los episodios de la Pasión. Por otra parte, destacarán también las esculturas de santos (muchos canonizados en esta misma época) y ángeles.

Como material de la imaginería destaca la talla en bulto redondo de madera policromada y estofada. En estas figuras destaca el realismo, la verosimilitud, que se ve acentuada por el uso de postizos de pelo, cristal para los ojos y tela para los ropajes.

Dentro de la escultura barroca en España nos encontramos dos escuelas:

- La escuela castellana, que tiene como centro Valladolid. Este arte se caracteriza por su dramatismo y patetismo y por tratarse en muchos casos de grupos escultóricos. Entre los artistas tiene especial importancia Gregorio Fernández.

Dentro de esta escuela podemos destacar también el arte realizado en Madrid, representado por Manuel Pereira, por ser esta ciudad el núcleo de la Corte.

- La escuela andaluza, que tiene como centros Sevilla y Granada. Se trata de obras más elegantes y serenas, y destacan entre los artistas Juan Martínez Montañés, Juan de Mesa, Alonso Cano, Pedro de Mena, José de Mora, Pedro Roldán y su hija, Luisa Roldán, más conocida como "la Roldana".

Ya en el siglo XVIII destacará la obra de Francisco Salzillo, máximo exponente del pleno barroco, que irá evolucionando hacia el rococó y el neoclasicismo.