Etapas de la Guerra Civil española (tema)

Podemos dividir la Guerra Civil española (1936-1939) en diferentes etapas:

La primera etapa comprende entre julio de 1936, cuando se produce el golpe de estado del general Francisco Franco, y marzo de 1937. En esta etapa las tropas sublevadas avanzan por el sur de España, Extremadura y Toledo, hasta llegar a las puertas de Madrid en noviembre de 1936, donde son contenidas. Ante estas circunstancias, el gobierno abandona la capital y se traslada a Valencia.

Sin embargo, la resistencia de la ciudad, dirigida por el general Miaja, al frente de la Junta de Defensa, contó con un gran apoyo entre la población, que popularizó el lema "No pasarán".

La segunda etapa se sitúa entre abril y diciembre de 1937, cuando se libra la Batalla del Norte, en la que el ejército franquista ataca las principales ciudades de la costa cantábrica. Es en este contexto cuando se produce el bombardeo de la ciudad de Gernika.

Para intentar frenar esta ofensiva franquista, los republicanos contraatacaron en Brunete (Madrid) y Belchite (Zaragoza).

En 1938 comenzaría la tercera y última etapa de la Guerra Civil. En febrero, las tropas franquistas ocuparon Teruel, avanzaron sobre Aragón y llegaron al Mediterráneo. El gobierno republicano se centró en la batalla del Ebro (de julio a octubre de 1938), una de las más importantes de la Guerra Civil española, que acabó con la derrota republicana.

Entre 1938 y febrero de 1939, Cataluña fue ocupada por los franquistas, y Madrid y la zona centro fueron ocupadas entre febrero y marzo. 

La Guerra Civil terminó el 1 de abril de 1939 con el anuncio de un parte de Francisco Franco, comenzando así la dictadura franquista.

La internacionalización de la Guerra Civil española (tema)

La Guerra Civil española (1936-1939) se convirtió en motivo de inestabilidad internacional. Podemos diferenciar tres grupos de países:

• Países neutrales. Francia y Reino Unido promovieron el Comité de No Intervención, creado en la ciudad británica de Londres. El temor a alterar el frágil equilibrio político en Europa frenó la intervención de las principales democracias. Sin embargo, muchos países desoyeron sus recomendaciones.
• Apoyo a los sublevados. La colaboración de efectivos militares de la Alemania nazi, la Italia fascista y la Portugal de Salazar fue clave para el llamado “bando nacional”.
• Apoyo a la II República. El gobierno contó con la ayuda militar de la Unión Soviética y de las Brigadas Internacionales, voluntarios de más de 50 países distintos que llegaron a combatir a España junto al Ejército Republicano convocados por la Komintern, la III Internacional Comunista, que había sido fundada en Moscú en 1919 y que agrupaba a diferentes países comunistas.

Las ayudas internacionales beneficiaron finalmente a los sublevados, ya que éstas fueron más decididas y generosas.

Informalismo (tema)

El informalismo es un movimiento artístico abstracto que se desarrolló en Europa en los años cuarenta del siglo XX. Cabe recordar que en estos años Europa se encuentra atravesando una profunda crisis existencial tras la Segunda Guerra Mundial que tendrá como respuesta plástica esta corriente.

Antoni Tàpies - Siete sillas (1984)

Se puede decir que el informalismo es un "expresionismo abstracto" europeo por sus similitudes con esta corriente estadounidense. Sus principales características son la abstracción, la importancia de los materiales y la personalidad del artista, lo gestual y la improvisación. Además, tiene una fuerte vinculación con el existencialismo por su deseo de afirmación del individuo.

En España podemos destacar la existencia, en los años 50, de dos grupos informalistas, Dau al Set y el Grupo El Paso, y de diferentes pintores como Manuel Millares, Antoni Tàpies, Rafael Canogar o Antonio Saura.

Pablo Picasso (1881-1973) (tema)

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) fue un pintor y escultor español creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Las dos hermanas (1902)
Museo del Hermitage

Empezó a pintar desde niño y sus primeros trabajos, caracterizados por un gran realismo, mostraban cierta predilección por los personajes populares.

De 1895 a 1900 residió en Barcelona, estudió en la Llotja y se relacionó con el grupo Els Quatre Gats.

Su producción artística entre 1902 y 1904 es conocida como "época azul", un color elegido por su efecto calmante y su capacidad para resaltar la simplicidad de las líneas. Temáticamente, destacan soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos, plasmados con sentimiento patético. Se trata de una época de su vida marcada por la desesperación y por una visión pesimista que le inclina a la denuncia de las miserias. Artísticamente, en esta época es notable la influencia de El Greco, Van Gogh y Gauguin.

En 1904-5, instalado ya en París, cambia su paleta hacia tonos rosas y rojos, más cálidos, y el dibujo se basará en la rapidez de las líneas. Es lo que se conocerá como "época rosa". La temática también será diferente, destacando ahora los temas circenses y los personajes de la farándula.

Las señoritas de Avignon (1907)
Metropolitan Museum of Modern Art

En torno a 1907 se desarrolla la "época negra", llamada así por el protagonismo de manifestaciones culturales procedentes del África negra. En este periodo, en el que busca una vuelta al clasicismo temático y formal, se siente atraído por la escultura negra, los relieves íberos y del arte egipcio y trabaja en la creación de un mundo de formas severas. La estilización y geometrización de las figuras le lleva a asumir planteamientos cubistas hacia 1906 y será en esta época cuando realice "Las señoritas de Avignon".

A partir de 1910, comenzó a presentar estudios analíticos de sus figuras, reduciendo las formas a equivalentes geométricos y analizándolas de manera que los distintos lados y partes pudieran ser vistos simultáneamente por el espectador, usando además un número limitado de colores. Es el comienzo del cubismo.

Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron otra fase del cubismo (cubismo sintético), en la que formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles, recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos. Picasso abandona el análisis del objeto para captar su fisonomía esencial incorporando elementos reales. Además, introduce en sus pinturas pedazos de papel encolados, conocidos como “collages”. 

Entre 1914 y 1920, pinta en un estilo más fácil y decorativo. Poco importa que deforme la figura humana y no respete los cánones clásicos o que rechace el ideal de belleza. Lo fundamental es que se interesa de nuevo por los valores de la representación. 

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, el puntillismo, el manierismo y el neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.

Guernica (1937) - Museo Reina Sofía

A finales de los años 20 y mediados de los 30, sus pinturas presentan deformaciones y fantasías imaginativas surrealistas, mientras que usa los colores de forma limitada. Un ejemplo de esta época es el "Guernica". 

Tras la Guerra Mundial se interesa por la litografía y ya en la década de los 60 completó una serie de pinturas al óleo sobre obras de Velázquez, Courbet y Delacroix, pero también le interesó la tauromaquia, que plasma en aguatintas y grabados.

En su periodo final trató temas referentes a la muerte, al sufrimiento y al amor, otorgando una gran importancia a la subjetividad gestual y emotiva, con pinceladas muy sueltas y expresionistas.

El expresionismo alemán (tema)

El expresionismo es un estilo pictórico, encuadrado dentro de las vanguardias históricas, que se desarrolla principalmente en Alemania sin un perfil cronológico preciso, aunque situado a principios del siglo XX. Cabe mencionar, además, que se trata de un movimiento cultural desarrollado también en otros ámbitos, como el cine o la literatura.

Los expresionistas defienden, como reacción al impresionismo, que, dejando al margen el naturalismo, el color podía despertar determinados sentimientos. Así, sacrifican la forma a la expresión de sentimientos y pasiones extremas y dan mayor importancia a lo subjetivo. En su pintura destacan los temas que aluden a la angustia, la soledad, el misterio...

En los primeros expresionistas destaca la influencia de las formas curvas del art nouveau y en artistas posteriores es notable la influencia del fauvismo francés. Además, en Alemania, el primer expresionismo hacía hincapié en el significado de la obra y daba mayor importancia al dibujo que a la pincelada.

Ernst Ludwig Kirchner
Fränzi ante una silla tallada (1910)
Museo Thyssen Bornemisza

Dentro de esta corriente pictórica destacan dos grupos: Die Brücke y Der Blaue Reiter.

El grupo Die Brücke (El puente) se forma en 1905 en Dresde y en él es notable la influencia de los fauves franceses a través del colorido estridente, aunque con una mayor estilización y angulaciones. Su interés se centra en la psicología o el conflicto íntimo del hombre.  Además, buscó conectar con el público en general, haciéndole partícipe de las actividades del grupo. Dentro de él destacan las figuras de Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde y Kees van Dongen.

Der Blaue Reiter (El jinete azul), por su parte, se forma en Munich en 1911 y se interesa más por las posibilidades espirituales de la pintura pura que por lo psicológico o social. Destacan en este grupo Kandinsky, Franz Marc y August Macke.

Otros artistas expresionistas son Munch, Georges Rouault, Erich Heckel, Lyonel Feininger, Gabriele Münter, Egon Schiele y Oskar Kokoschka. 

Suprematismo (tema)

Kazimir Malevicht
Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915)

El suprematismo es una corriente pictórica que nació en Rusia en torno al año 1915 y que se caracteriza por ser un arte abstracto con una esencialidad extrema. En el texto Del cubismo al suprematismo, Kazimir Malevicht (1878-1935) define el suprematismo como "el redescubrimiento del arte puro, el cual, a lo largo del tiempo, había quedado oscurecido por una acumulación de cosas". 

Se trata, por tanto, de un arte abstracto compuesto de formas geométricas puras (cuadrados, círculos, triángulos) y colores simples y planos que renuncia a la tercera dimensión y a toda representación de cosas, de la "supremacía de la sensibilidad". Es, además, un arte ajeno a toda utilidad.

Así, el suprematismo de Malevicht establecía las bases para la formulación de un nuevo proyecto de un mundo en equilibrio y sin contradicciones, del que posteriormente arrancarán los constructivistas.

Neoplasticismo (tema)

El Neoplasticismo o movimiento De Stijl (1917-1931) se caracteriza a través de la obra de los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld. Aunque tuvo otros miembros, se trata de una unión cuyo vínculo formal fue la firma del Primer Manifiesto De Stijl (1918), en el que declaran que la nueva conciencia debería salvar el equilibrio entre lo universal y lo individual (algo que también hará Mondrian individualmente en "El Neoplasticismo en pintura" y en "La morfología y la neoplástica"). 

Se trata, como muchas vanguardias, de un testimonio de la crisis general de la conciencia europea ante la Gran Guerra y de una de las primeras propuestas de un nuevo arte para un mundo nuevo, caracterizada por su optimismo o esperanza.

Piet Mondrian
Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1926)

Este movimiento nació como confluencia de dos modos conexos de pensamiento: la filosofía neoplatónica del matemático Schoenmaekers (quien escribe que "los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la Tierra alrededor del Sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos que tiene su origen en el centro del Sol. [Además,] los tres colores principales son esencialmente el amarillo, el azul y el rojo") y los conceptos arquitectónicos de H.P. Berlage y Frank Lloyd Wright. Se funda también sobre una rigurosa restricción en los medios. Se trata, en definitiva, de alcanzar un arte autosuficiente, capaz de expresar armónicamente la fuerza y armonía del universo, escapando al mismo tiempo de su visión trágica.

Es un arte basado en la abstracción y lo elemental que busca una renovación estética universal. Se caracteriza por el uso de la línea, la geometría y los colores planos (normalmente rojo, azul, amarillo, blanco y negro).

Podemos dividir su desarrollo en tres fases:

- De 1916 a 1921 se produce una fase de formación centrada en Holanda. Son la pintura, la escultura y la polémica cultural las que determinan y configuran la actividad neoplástica durante estos años.

- De 1921 a 1925 se vive un periodo de plenitud y expansión internacional.

- De 1925 a 1931 se produce una fase de evolución posneoplástica que estuvo acompañada de la desintegración. En su inicio está la dramática ruptura entre Mondrian y van Doesburg. Hacia 1930 el ideal neoplástico de un mundo de armonía universal había sido erosionado, en primer lugar por la polémica inconsistencia y controversia internas y, posteriormente, por el efecto de la presión cultural externa.

Pop art o arte pop (tema)

"El arte pop es popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio redondo."

Richard Hamilton.

La recuperación económica tras la Segunda Guerra Mundial traía con ella un consumo que se iba a convertir en una característica definitoria de la nueva sociedad. Debido a la relación del consumo con el arte pop, su desarrollo es mayor en las sociedades más avanzadas económicamente hablando: Estados Unidos e Inglaterra.

Richard Hamilton - ¿Qué tienen los hogares modernos
que los hace tan diferentes, tan atractivos? (1956)

El pop art, cuyo auge se produce en los años sesenta del siglo XX, toma sus temas de la cultura popular de la forma en que la transmiten los medios de masas, con preferencia por los estereotipos. Sus imágenes son las de las revistas ilustradas, la televisión, el cine, la publicidad... Se trata, por lo tanto, de imágenes intrascendentes y superficiales, pues lo que interesa no es la realidad de las cosas, sino su representación.

Por otra parte, el arte pop se integra plenamente en el modo de producción industrial de la época, pues los procedimientos artísticos son industriales: las imágenes se fabrican en serie y se venden como productos de supermercado. El artista, el yo, ya no es el protagonista, sino que lo son las propias imágenes, a través de las cuales los artistas buscan atraer la atención del espectador sobre todas las cosas que la alta cultura había desdeñado.

Formalmente se busca la máxima simplificación, tomando como base los procedimientos de la publicidad y la imprenta: grandes formatos, gama de colores limitada, el enmarque y la repetición de objetos... Desde el momento en que el tema es todo aquello que nos rodea y que hasta ahora había sido despreciado como material no artístico, el trabajo consiste en elegir, manipular, reproducir. Por eso en el pop tiene tanta importancia la copia, la reproducción y la cita.

Entre los autores del arte pop en Estados Unidos podemos destacar a Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg. 

Por otra parte, entre los artistas pop europeos cabe mencionar a Richard Hamilton y David Hockney.

Joaquín Sorolla (1863-1923) (tema)

Joaquín Sorolla y Bastida nace en Valencia (España) en 1863. Huérfano desde muy pequeño, se cría con sus tíos. Tras tomar clases con Cayetano Capuz, en 1878 ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos, donde se acostumbra a la pintura al aire libre. En 1881 acaba sus estudios y en su primer viaje a Madrid descubre la pintura de Velázquez (a quien veneró), Goya y Ribera. Además entabla amistad con el pintor Ignacio Pinazo y con el fotógrafo Antonio García y su hijo, Antonio García del Castillo, futuro cuñado de Sorolla. Su trabajo junto a su futuro suegro, que le toma como ayudante, le influirá decisivamente en el tratamiento de la luz y el color en sus cuadros.

En la Exposición Regional de Valencia de 1879 presenta dos acuarelas y un lienzo titulado El patio del Instituto, que consigue el primer premio. En 1883 conseguiría una medalla de oro en esta exposición con la obra Monja en oración.

En 1885, becado en la Academia de España gracias a su cuadro El grito del Palleter, termina su formación en Roma (Italia) con el tutor Francisco Pradilla y Ortiz, quien insiste en perfeccionar su dibujo. Allí estudia a Rafael y Miguel Ángel, visita la ciudad, dibuja y pinta según las enseñanzas de sus profesores y se empapa del ambiente artístico romano. Viaja a París con Pedro Gil Moreno de Mora durante un tiempo, identificándose allí con el naturalismo moderno, pero acaba volviendo a Italia e instalándose en Asís.

En 1888 se casa con Clotilde García del Castillo, con quien se instalará en Valencia en 1889 y en Madrid en 1890.

Durante estos años cultiva el realismo social y el costumbrismo pintando cuadros de género, así como retratos de personajes relevantes de la época y de su propia familia.

¡Aún dicen que el pescado es caro! (1894)
Museo Nacional del Prado

Debido a su estilo personal es difícil enmarcarle en las corrientes artísticas del momento, aunque, como ya se ha dicho, se le relaciona frecuentemente con el realismo. En 1894 pinta La vuelta de la pesca, que recibirá la segunda medalla en el Salón de París de 1895 y que se considera la afirmación de su personalidad artística. De esta época son otras obras como ¡Aún dicen que el pescado es caro! o Madre. En sus viajes a París conoce la pintura nórdica del momento, que le llevará a potenciar el luminismo durante 1900 y 1901, con obras con fuertes luces y una paleta brillante que le acercan al postimpresionismo.

En 1904 experimenta con una pincelada larga muy empastada que acabará siendo frecuente en su producción. Su actividad pictórica será ahora muy grande, al igual que su deseo de autosuperación, destacando el dominio de la luz, su amor al mar Mediterráneo, su realismo y su impecable técnica. De esta época es Clotilde en la playa. En 1907 pasa en Biarritz el verano, donde realiza escenas de playa con un acercamiento al impresionismo, con una pincelada más menuda y una paleta baja en intensidad. Posteriormente experimentará con el fauvismo, prescindiendo del dibujo y utilizando colores planos.

Su fama se va extendiendo por Europa con importantes exposiciones en París, Berlín, Düsseldorf, Colonia o Londres. Será en esta ciudad donde conocerá al hispanista Archer Milton Huntington, creador de la Hispanic Society of America, quien le encarga la decoración de la sala principal de la entidad, para la que Sorolla realiza 14 paneles que representan los pueblos y costumbres españolas.

Paseo a orillas del mar (1909)
Museo Sorolla (Madrid)

Pero ya desde 1909 Sorolla expone en Estados Unidos. Es en esta época cuando pinta con luces suaves y una paleta brillante en la que destaca el blanco, como en Paseo a orillas del mar. También seguirá pintando jardines y paisajes y retratos familiares.

Posteriormente se instala en Alicante, donde comienza su etapa culminante. Aunque se le conozca más por sus pinturas mediterráneas, fue un gran paisajista. 

En 1914 es nombrado académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y en 1920 sufre una hemiplejía que le impide volver a pintar. Muere tres años más tarde en Cercedilla (Madrid).

Ver también: Joaquín Sorolla (álbum)

Op art o arte óptico (tema)

El Op Art o Arte Óptico es una tendencia artística que surge en los años 60 del siglo XX. Su desarrollo se produce en paralelo al de la abstracción pospictórica y al minimal, con el que comparte el uso de elementos geométricos. Además, tiene sus raíces en las vanguardias históricas y en la Bauhaus.

Se producen algunas manifestaciones de este arte en Estados Unidos, pero su centro principal está en Europa, sobre todo en París.

VEGA III - Victor Vasarely

El arte óptico parte de la ambigüedad de la percepción para dar energía a pinturas o relieves y crear una variedad de efectos ilusorios en el espectador. Indaga en la interacción con la ilusión y el plano del cuadro, entre entender y ver. Se da la impresión de movimiento, vibraciones, patrones o deformación. Así, en este tipo de obras se requiere la participación activa del espectador, que debe moverse para apreciar el efecto óptico. Por tanto, no existe ningún aspecto emocional en las obras.

Se suelen distinguir tres momentos diferentes aunque no temporales: en el primero se trabaja con obras bidimensionales aunque se buscan efectos de tridimensionalidad; en el segundo se introduce la tercera dimensión, creando una doble superficie o añadiendo otros objetos al cuadro; en el tercer momento ya es la propia obra la que tiene movimiento.

Heredero de las teorías de la vanguardia rusa de unir el arte con la vida, de armonizar arte y ciencia, técnica y sociedad, el Op Art rebasa el campo de las galerías y sale a la calle. Su triunfo es amplio pero efímero.

Como figura principal de este movimiento hay que destacar a Victor Vasarely.

Vincent Van Gogh (álbum)

Posted by Historia, cultura y arte on Miércoles, 29 de julio de 2015

Cubismo (tema)

El cubismo es un movimiento artístico que se desarrolló en Europa entre 1907 y 1914. Nace en Francia y sus máximos representantes son Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y Fernand Léger. Su nombre fue acuñado por el crítico de arte francés Louis Vauxcelles, quien dijo que era una pintura compuesta por "pequeños cubos".

Pablo Picasso - Las señoritas de Avignon

Se le considera la primera vanguardia por romper con el mayor canon artístico tradicional: el uso de la perspectiva. Ahora las formas serán representadas con figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Esto es lo que se llama "perspectiva múltiple": se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano, no existiendo la sensación de profundidad ni un punto de vista único.

En cuanto a la temática destacan los bodegones, paisajes y retratos, y en cuanto a las tonalidades, grises, verdes y marrones.

Posteriormente las pinturas evolucionarán y se incorporarán en ellas telas y otros materiales, llegando así al collage.

Manuel Millares (tema)

Manuel Millares - Cuadro (1957)

Manolo Millares (1926-1972) fue un pintor canario. Cofundador del grupo El Paso (1957), en sus inicios, de raíz surrealista, pintó paisajes, pintura figurativa y autorretratos, para dedicarse desde 1949 a la pintura abstracta. Su obra se encuadra dentro del estilo informalista español. Lo importante para él era el aspecto matérico de la obra, y por ello realiza sus obras con sacos agujereados, arpillera, cuerdas y otros objetos que luego eran cubiertos con pintura.

Tenía dos preocupaciones esenciales: el surrealismo, con su interés por el subconsciente y lo primigenio, y las raíces profundas de sus culturas desaparecidas.

Su paleta es muy reducida y sobria, y el negro acabará siendo el protagonista.

Destacan sus "Muros", realizados a mediados de los cincuenta, en los que mezcla signos con elementos de la naturaleza y a los que irá perforando anunciando así su trabajo posterior. En los 60 su trabajo se caracterizará por el uso de la arpillera como elemento fundamental de la composición y por el uso del rojo, el negro y el blanco.

Principales estilos artísticos del siglo XX (listado)

- Expresionismo
- Cubismo
- Constructivismo
- Dadá
- Escuela Ashcan
- Fauvismo
- Futurismo
- Orfismo
- Abstracción geométrica
- Art decó
- Regionalismo
- Surrealismo
- Expresionismo abstracto
- Arte cinético
- Arte povera
- Minimal
- Informalismo
- Op art
- Pop art
- Videoarte
- Arte conceptual
- Body art
- Land art
- Hiperrealismo

Franz Kline (tema)

Franz Kline (1910-1962) fue un pintor estadounidense relacionado con el expresionismo abstracto de los años 40 y 50. Su obra es gestual (también denominada "action painting" o "pintura de acción"), al igual que la de Pollock.
Durante los años 30 y 40 su obra es figurativa, con paisajes, vistas de ciudades, retratos y murales. Poco a poco va desarrollando un estilo más personal y abstracto, con formas cada vez más simplificadas.

Formas blancas (1955)

En los años 50 crea en el lienzo algo parecido a ideogramas chinos (aunque él negará la influencia oriental), o parte de ellos, abstractos y enormemente ampliados que basan su efecto en el recio contraste de pinceladas negras sobre fondo blanco. La pintura parece que se usa sólo por razones de amplitud y de escala. Su brochazo es furioso, como una gruesa y tosca tachadura, y pinta tanto el blanco como el negro porque para él los dos tienen la misma importancia. No rechaza las sugerencias urbanas que puedan evocar sus trazos, sino que se puede considerar un recuerdo tardío de sus obras anteriores a esta época en las que pintaba la ciudad de Nueva York con formas heredadas del realismo de los años 30.
Este estilo tan característico fue producto de las sugerencias e influencias que sobre su arte tuvo su amigo Willem de Kooning.

Cuando, en los últimos años de su vida, el color comienza a tomar parte de su obra, los resultados no fueron afortunados, porque el espectador nunca tiene la impresión de que el color sea esencial para la expresión de su mensaje. Sus fines son meramente cosméticos.

Willem de Kooning (tema)

De Kooning pone de manifiesto en su obra que lo verdaderamente importante es el proceso de pintar, afirmando entonces que el objetivo del expresionismo abstracto no era la abstracción, sino la expresión, la manifestación de una condición espiritual.

Willem de Kooning.
Woman, I. 1950-52

Su estilo tiende a subrayar el componente expresionista del expresionismo abstracto a expensas de la abstracción. Maneja imágenes que parecen surgir de la textura de la pintura para recaer en el caos que les dio forma. Lo que le distingue de los expresionistas contemporáneos europeos es su audacia característicamente estadounidense y el sentido de la escala que aparece en sus cuadros, aunque su obra es un importante punto de contacto entre el arte europeo y el americano, e, incluso, anuncia ciertos aspectos del pop art.

Hay que decir que de Kooning fue expresionista en sus orígenes, pero en Estados Unidos libera a éste de significado, elimina toda la carga social que lleva con él y se centra en la angustia individual del ser humano. En los años 40 su pintura es monocroma, con esmalte blanco y negro, sin distinción entre figura y espacio. Entre 1954 y 1950, en pleno apogeo de la abstracción, introduce la figura e inicia un tema que será esencial en su pintura: las “Mujeres”. Unas mujeres fuertemente expresivas, convertidas en mil trozos por los pinceles o las brochas y los mil colores que aplica el artista. En los 60 siguió con las referencias naturalistas en sus cuadros, pero esta vez de paisaje formado por grandes manchas de color aplicadas violentamente.

Arschile Gorky (tema y listado)

La obra temprana de Arschile o Arshile Gorky (realizada en una situación de extrema pobreza) muestra un avance ininterrumpido a través de los estilos modernistas básicos, típico de un artista que es consciente de su aislamiento en un ambiente provinciano. Absorbió primero la lección de Cézanne y luego la del cubismo. En los años 30, bajo la influencia de Picasso, ya tendía hacia el surrealismo. Luego llegó la guerra, y es entonces cuando él empieza a explorar con mayor audacia.

La tradición surrealista ofrecía entonces dos caminos: el estilo meticulosamente detallado de Magritte y Dalí o el estilo biomórfico de Miró o Tanguy, en los cuales las formas se limitan a insinuar su semejanza con objetos reales. Gorky adoptó este método y lo usó con creciente audacia. Por otra parte, le quita la literatura surrealista a sus imágenes, que tendrán un significado nuevo sólo dentro del cuadro en relación a las otras que les acompañan.

Gorky - Combate enigmático

Además estuvo influido de manera especial por Roberto Matta y André Masson, de quien se nota la doble lectura de las obras, figurativa y abstracta. El color aún depende del dibujo y ocupa los vacíos que él deja, pero empieza a mostrar su autonomía gracias a la ligereza de la materia. No se puso en contacto con André Breton hasta 1944, y esto completó su liberación (sobre todo en el uso de los materiales) como artista. Destaca también la teoría del arte que desarrolla en esta época: “Cuando se termina una cosa, quiere decir que ha muerto. Yo creo en la eternidad, de modo que nunca termino un cuadro, lo que hago es, simplemente, dejar de trabajar en él durante una temporada.” Esta idea de una “dinámica continua” iba a tener un papel importante en el expresionismo abstracto, y sobre todo en la obra de Jackson Pollock. Otra idea que desarrolla en esta época y que será la base del expresionismo abstracto junto con la anterior es la presencia y la fuerza de lo primitivo, en su caso los mitos de su Armenia natal.

Gorky fue probablemente el surrealista más importante que ha tenido Estados Unidos.

Algunas de sus obras son:

- Composición con verduras

- Abstracción con paleta

- Nocturno, enigma y nostalgia

- Combate enigmático

- Jardín de Sochi

Yves Tanguy (tema y listado)

Yves Tanguy - Muerto acechando a su familia

Se trata de un pintor surrealista que fue admitido en el círculo de André Breton en torno a 1924.

Los cuadros de Yves Tanguy tienen un estilo único, reconocible rápidamente, de un surrealismo abstracto. Muestran paisajes vastos y abstractos, en su mayor parte con una paleta de colores muy limitada, mostrando sólo destellos de colores que contrastan. Típicamente, estos paisajes de ensueño están poblados por formas abstractas variadas, a veces angulares y agudas como fragmentos de vidrio, otras veces con un aspecto orgánico interrogante, como amebas gigantes repentinamente petrificadas.

Algunas de sus obras más importantes son:

- Muerto acechando a su familia

- Ni leyendas ni figuras

- Todavía y siempre

- Divisibilidad indefinida

- La dama ausente

- Números imaginarios

Arte y tecnología (tema)

La consideración de la pintura como expresión artística privilegiada era una herencia cultural que los artistas del siglo XX empezaron a cuestionar ya desde la aparición de las "vanguardias históricas".

En las relaciones entre arte y tecnología existen dos visiones contrapuestas: aquellos que ven en la implantación de la tecnología un demonio que nada tiene que ver con los fines del arte (visión humanista); y los fascinados por la experimentación y las posibilidades que conlleva.

Sin embargo, lo que no se podía dudar era la invalidez del arte heredado. Además, la actitud del artista conocería una importante transformación que le llevaría a considerar la experimentación como un elemento esencial de la práctica artística.

Analizando la aportación de las nuevas tecnologías al arte destaca que todos los avances que nacen con la fotografía y se desarrollan con sus "hijos tecnológicos" estaban vinculados a la plasmación del movimiento y, en consecuencia, a la posibilidad de trabajar sobre el tiempo. La producción mecánica del movimiento lograba lo que muchos artistas habían intentado plasmar por otros medios.

Abstracción pospictórica (tema)

La abstracción pospictórica es un término creado por el crítico de arte Clement Greenberg para usarlo como título para una exposición de arte moderno. Para él se trata de un nuevo movimiento en pintura que derivaba del expresionismo abstracto de los cuarenta y cincuenta pero que favorecía la claridad en oposición a las superficies pictóricamente densas y que ocuparía el lugar del anterior durante los años sesenta.

Su origen se encuentra en los estudios sobre psicología de las formas que realizó la Bauhaus alemana, y una de sus características es que la pintura no conlleva ningún mensaje místico o religioso, sino que existe por sí misma.

Este estilo fue derivando debido al espíritu innovador de la época y fue superado por la "pintura de borde duro" o la "pintura de los campos de color" o convergió en otras tendencias como el minimalismo o la abstracción lírica.