Informalismo (tema)

El informalismo es un movimiento artístico abstracto que se desarrolló en Europa en los años cuarenta del siglo XX. Cabe recordar que en estos años Europa se encuentra atravesando una profunda crisis existencial tras la Segunda Guerra Mundial que tendrá como respuesta plástica esta corriente.

Antoni Tàpies - Siete sillas (1984)

Se puede decir que el informalismo es un "expresionismo abstracto" europeo por sus similitudes con esta corriente estadounidense. Sus principales características son la abstracción, la importancia de los materiales y la personalidad del artista, lo gestual y la improvisación. Además, tiene una fuerte vinculación con el existencialismo por su deseo de afirmación del individuo.

En España podemos destacar la existencia, en los años 50, de dos grupos informalistas, Dau al Set y el Grupo El Paso, y de diferentes pintores como Manuel Millares, Antoni Tàpies, Rafael Canogar o Antonio Saura.

Suprematismo (tema)

Kazimir Malevicht
Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915)

El suprematismo es una corriente pictórica que nació en Rusia en torno al año 1915 y que se caracteriza por ser un arte abstracto con una esencialidad extrema. En el texto Del cubismo al suprematismo, Kazimir Malevicht (1878-1935) define el suprematismo como "el redescubrimiento del arte puro, el cual, a lo largo del tiempo, había quedado oscurecido por una acumulación de cosas". 

Se trata, por tanto, de un arte abstracto compuesto de formas geométricas puras (cuadrados, círculos, triángulos) y colores simples y planos que renuncia a la tercera dimensión y a toda representación de cosas, de la "supremacía de la sensibilidad". Es, además, un arte ajeno a toda utilidad.

Así, el suprematismo de Malevicht establecía las bases para la formulación de un nuevo proyecto de un mundo en equilibrio y sin contradicciones, del que posteriormente arrancarán los constructivistas.

Abstracción (definición)

Se llama arte abstracto al arte no figurativo, es decir, al que sostiene que un conjunto de líneas, colores y formas, sin relación con figuras identificables, puede expresar emociones adecuadamente.

Ver también: Abstracción (tema)

Franz Kline (tema)

Franz Kline (1910-1962) fue un pintor estadounidense relacionado con el expresionismo abstracto de los años 40 y 50. Su obra es gestual (también denominada "action painting" o "pintura de acción"), al igual que la de Pollock.
Durante los años 30 y 40 su obra es figurativa, con paisajes, vistas de ciudades, retratos y murales. Poco a poco va desarrollando un estilo más personal y abstracto, con formas cada vez más simplificadas.

Formas blancas (1955)

En los años 50 crea en el lienzo algo parecido a ideogramas chinos (aunque él negará la influencia oriental), o parte de ellos, abstractos y enormemente ampliados que basan su efecto en el recio contraste de pinceladas negras sobre fondo blanco. La pintura parece que se usa sólo por razones de amplitud y de escala. Su brochazo es furioso, como una gruesa y tosca tachadura, y pinta tanto el blanco como el negro porque para él los dos tienen la misma importancia. No rechaza las sugerencias urbanas que puedan evocar sus trazos, sino que se puede considerar un recuerdo tardío de sus obras anteriores a esta época en las que pintaba la ciudad de Nueva York con formas heredadas del realismo de los años 30.
Este estilo tan característico fue producto de las sugerencias e influencias que sobre su arte tuvo su amigo Willem de Kooning.

Cuando, en los últimos años de su vida, el color comienza a tomar parte de su obra, los resultados no fueron afortunados, porque el espectador nunca tiene la impresión de que el color sea esencial para la expresión de su mensaje. Sus fines son meramente cosméticos.

Willem de Kooning (tema)

De Kooning pone de manifiesto en su obra que lo verdaderamente importante es el proceso de pintar, afirmando entonces que el objetivo del expresionismo abstracto no era la abstracción, sino la expresión, la manifestación de una condición espiritual.

Willem de Kooning.
Woman, I. 1950-52

Su estilo tiende a subrayar el componente expresionista del expresionismo abstracto a expensas de la abstracción. Maneja imágenes que parecen surgir de la textura de la pintura para recaer en el caos que les dio forma. Lo que le distingue de los expresionistas contemporáneos europeos es su audacia característicamente estadounidense y el sentido de la escala que aparece en sus cuadros, aunque su obra es un importante punto de contacto entre el arte europeo y el americano, e, incluso, anuncia ciertos aspectos del pop art.

Hay que decir que de Kooning fue expresionista en sus orígenes, pero en Estados Unidos libera a éste de significado, elimina toda la carga social que lleva con él y se centra en la angustia individual del ser humano. En los años 40 su pintura es monocroma, con esmalte blanco y negro, sin distinción entre figura y espacio. Entre 1954 y 1950, en pleno apogeo de la abstracción, introduce la figura e inicia un tema que será esencial en su pintura: las “Mujeres”. Unas mujeres fuertemente expresivas, convertidas en mil trozos por los pinceles o las brochas y los mil colores que aplica el artista. En los 60 siguió con las referencias naturalistas en sus cuadros, pero esta vez de paisaje formado por grandes manchas de color aplicadas violentamente.

Arschile Gorky (tema y listado)

La obra temprana de Arschile o Arshile Gorky (realizada en una situación de extrema pobreza) muestra un avance ininterrumpido a través de los estilos modernistas básicos, típico de un artista que es consciente de su aislamiento en un ambiente provinciano. Absorbió primero la lección de Cézanne y luego la del cubismo. En los años 30, bajo la influencia de Picasso, ya tendía hacia el surrealismo. Luego llegó la guerra, y es entonces cuando él empieza a explorar con mayor audacia.

La tradición surrealista ofrecía entonces dos caminos: el estilo meticulosamente detallado de Magritte y Dalí o el estilo biomórfico de Miró o Tanguy, en los cuales las formas se limitan a insinuar su semejanza con objetos reales. Gorky adoptó este método y lo usó con creciente audacia. Por otra parte, le quita la literatura surrealista a sus imágenes, que tendrán un significado nuevo sólo dentro del cuadro en relación a las otras que les acompañan.

Gorky - Combate enigmático

Además estuvo influido de manera especial por Roberto Matta y André Masson, de quien se nota la doble lectura de las obras, figurativa y abstracta. El color aún depende del dibujo y ocupa los vacíos que él deja, pero empieza a mostrar su autonomía gracias a la ligereza de la materia. No se puso en contacto con André Breton hasta 1944, y esto completó su liberación (sobre todo en el uso de los materiales) como artista. Destaca también la teoría del arte que desarrolla en esta época: “Cuando se termina una cosa, quiere decir que ha muerto. Yo creo en la eternidad, de modo que nunca termino un cuadro, lo que hago es, simplemente, dejar de trabajar en él durante una temporada.” Esta idea de una “dinámica continua” iba a tener un papel importante en el expresionismo abstracto, y sobre todo en la obra de Jackson Pollock. Otra idea que desarrolla en esta época y que será la base del expresionismo abstracto junto con la anterior es la presencia y la fuerza de lo primitivo, en su caso los mitos de su Armenia natal.

Gorky fue probablemente el surrealista más importante que ha tenido Estados Unidos.

Algunas de sus obras son:

- Composición con verduras

- Abstracción con paleta

- Nocturno, enigma y nostalgia

- Combate enigmático

- Jardín de Sochi

Abstracción pospictórica (tema)

La abstracción pospictórica es un término creado por el crítico de arte Clement Greenberg para usarlo como título para una exposición de arte moderno. Para él se trata de un nuevo movimiento en pintura que derivaba del expresionismo abstracto de los cuarenta y cincuenta pero que favorecía la claridad en oposición a las superficies pictóricamente densas y que ocuparía el lugar del anterior durante los años sesenta.

Su origen se encuentra en los estudios sobre psicología de las formas que realizó la Bauhaus alemana, y una de sus características es que la pintura no conlleva ningún mensaje místico o religioso, sino que existe por sí misma.

Este estilo fue derivando debido al espíritu innovador de la época y fue superado por la "pintura de borde duro" o la "pintura de los campos de color" o convergió en otras tendencias como el minimalismo o la abstracción lírica.

El expresionismo abstracto (tema)

Durante las últimas décadas del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX París fue el centro y la capital de la renovación artística, pero el estallido de la Segunda Guerra Mundial y la ocupación de la ciudad por las tropas alemanas alteró por completo la situación.

Otros países como Estados Unidos asumieron el papel de centros de refugio de la cultura frente al fascismo, convirtiéndose así Nueva York en un baluarte de la vanguardia.

El crítico Clement Greenberg y otros centraron su atención en la obra de Jackson Pollock, como pintor representante del nuevo arte norteamericano, y a partir de 1945 se aprecia un interés creciente por la vanguardia norteamericana, apoyado por los medios de comunicación y la euforia por la victoria en la guerra. La irrupción de la vanguardia norteamericana se basaba fundamentalmente en una tendencia: el Expresionismo abstracto, bajo cuyo nombre cabían múltiples orientaciones pero todas ellas bajo el signo de la abstracción. Se trata de una generación o comunidad de artistas concreta, centrada en Nueva York desde los años cuarenta y que dura, aproximadamente, una década. Posteriormente se extendería por todo el mundo.

Junto a Jackson Pollock, destacan en este grupo Franz Kline, Willem de Kooning, Clifford Still, Mark Rothko y Barnett Newman.

Las manifestaciones más importantes del arte europeo del siglo XX han sido, por lo menos a los ojos de los norteamericanos, el cubismo y el surrealismo, y por eso mismo, este expresionismo abstracto tendrá su origen en ambos, aunque lo acabarán rechazando.

Dentro de esta corriente se debe destacar la "pintura de acción" o "action painting" (Pollock, Kline y De Kooning). Su centro de interés es el gesto o movimiento de pintar, llamándosela también "pintura gestual". Se hace del acto de pintar un gesto espontáneo. Es un tipo de automatismo que plasma el estado físico y psíquico del pintor.

Jackson Pollock - Convergence (1952)
Albright-Knox Art Gallery
© 2010 The Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Pero también hay que destacar otra corriente dentro del expresionismo abstracto: la "color field painting" o "pintura de campos de color", más simple y calmada, centrada ya no en el gesto sino en el color y cuyo ejemplo más significativo es la obra de Mark Rothko.

Mark Rothko - Sin título (1952-3)
Guggenheim Bilbao Museoa

Características generales del expresionismo abstracto:
- Preferencia por los grandes formatos
- Uso del óleo sobre lienzo
- Eliminación de la figuración (abstracción)
- Concepción de la superficie de la pintura como "all-over" (no hay jerarquía ni límites)
- Cromatismo muy limitado
- Representan la angustia y el conflicto

Abstracción (tema)

La aparición del arte abstracto fue un fenómeno en estrecha sintonía con las experiencias llevadas a cabo durante la primera década del siglo XX por los distintos movimientos de vanguardia. Es parte activa del proceso de construcción de la autonomía de la pintura al excluir la representación en el cuadro, el único elemento que permanecía vinculado a la tradición. Su supresión proporcionaba al cuadro una autonomía total. Era el último paso para liquidar la visión perspectiva. La representación de la realidad desaparece por completo y el cuadro se convierte en una imagen aperspectiva.

La aparición de la abstracción no supuso el nacimiento de un nuevo ismo, sino que fue sólo la irrupción de un fenómeno que se ha desarrollado a través de diversas tendencias. A partir de entonces el arte con representación pasó a llamarse “figurativo” al existir otro arte en el que la representación había sido desplazada por la combinación de formas, líneas y colores desvinculadas de sus connotaciones temáticas.

Por lo tanto, una pintura o escultura abstractas son aquellas en las que no existe ningún elemento que pueda ser representación o alusión figurativa de la realidad.

Entre los artistas abstractos destacan Kandinsky, Kupka, Delaunay y Mondrian.