Francisco Bayeu y Subías (tema y listado)

Francisco Bayeu - Autorretrato (RABASF)

Francisco Bayeu y Subías (Zaragoza, 1734 - Madrid, 1795) fue un pintor español cuya formación se inicia en Zaragoza en el taller de Juan Andrés Merklein y en las clases de dibujo de José Luzán Martínez.

En 1758 obtiene una pensión para la Academia de Bellas Artes de San Fernando, la cual abandonará dos meses después por disputas con Antonio González Velázquez.

Entonces regresa a Zaragoza, donde recibe varios encargos para iglesias y conventos.

En 1762 Anton Raphael Mengs reclama su ayuda para la decoración del Palacio Nuevo. Gracias a Mengs, Francisco colabora en numerosas empresas decorativas para los reales sitios, que le valieron el nombramiento de pintor de cámara en 1767 por Carlos III.

Trabajó fundamentalmente como pintor de frescos y compaginó sus obligaciones en la corte con los encargos provenientes de Zaragoza. Además, fue responsable de las tareas artísticas de la Fábrica de Tapices de Santa Bárbara.

Después de la partida de Mengs a Roma en 1777, Bayeu asume todas las obligaciones que habían quedado abandonadas por el pintor.

En 1788 es nombrado Director de la Academia de Bellas Artes, dedicando sus últimos años al retrato.

Influido por la pintura de Giaquinto y de González Velázquez, fue en la primera etapa de su producción artística uno de los exponentes más destacados de la pintura tardobarroca española. Con la venida de Mengs, Bayeu se convirtió en su seguidor más fiel asimilando los principios neoclásicos.

Obras:
- Lienzos para el Convento de San Pascual de Aranjuez
- La Asunción de la iglesia de Pedrola de Zaragoza
- La Asunción de la iglesia de Valdemoro de Madrid
- Sagrada Familia
- Varios frescos del Palacio Real de Madrid: Rendición de Granada, La caída de los gigantes, Apoteosis de Hércules, La Providencia presidiendo las virtudes y facultades del hombre, La ciencia hermana de la prudencia, Apolo protegiendo las ciencias y las artes, Las órdenes de la monarquía española
- Bóveda del convento de la Encarnación: La virgen y Cristo apareciéndose a San Agustín
- Cúpula de la Colegiata de San Ildefonso
- Bóvedas de la Basílica del Pilar
- Varias pinturas en el Palacio del Pardo: Apolo remunerando a las artes, Alegoría de la monarquía española, La feliz unión de España y Parma impulsa las ciencias y las artes
- Frescos de la iglesia del Palacio de la Granja
- Frescos del claustro de la catedral de Toledo
- Capilla y oratorio del rey del Palacio de Aranjuez
- Retrato de Feliciana Bayeu
- Retrato de Doña Paula Melzi
- Autorretratos
- Retrato de Sebastiana

Juan Antonio Ribera y Fernández de Velasco (tema y listado)

Juan Antonio Ribera (Madrid, 1779-1860) fue un pintor español que inició sus estudios artísticos como alumno de José Pilquer y luego de Francisco Bayeu. Se le considera uno de los representantes más característicos del Neoclasicismo en España, junto a José de Madrazo y José Aparicio. Su hijo fue el también pintor Carlos Luis de Ribera y Fieve.

En el concurso de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de 1802 obtuvo un segundo premio de primera clase por una copia de una obra de Rafael, lo que le valió una pensión del rey para estudiar en París. Allí fue discípulo destacado de Jacques Louis David.

Wamba renunciando a la corona (h. 1819)
Museo Nacional del Prado (Madrid)

Fue nombrado pintor de cámara por Carlos IV (y posteriormente confirmado por Fernando VII en 1816) y elegido miembro de mérito de la Academia de San Lucas de Roma en 1812 y de la Academia de Bellas Artes de San Fernando en 1820.

En 1826 pasa a formar parte de una comisión encargada de rescatar obras de arte depositadas en sótanos y almacenes de los reales sitios.

En 1835 se ve cesado por la Real Casa como pintor de cámara. Sin embargo, en 1857 y debido a la dimisión de José de Madrazo, fue nombrado director del Museo del Prado y primer pintor de cámara, cargos que ocupó hasta su muerte, acaecida tres años después.

Obras:

- Copia del "Pasmo de Sicilia" de Rafael

- Cincinato abandona el arado para dictar leyes a Roma

- Alegorías de las estaciones

- Cristo crucificado

- Wamba renunciando a la corona

Leonardo Alenza y Nieto (tema)

Leonardo Alenza y Nieto - En el garlito
Museo Nacional del Prado, Madrid

Leonardo Alenza y Nieto fue un pintor romántico español que vivió en Madrid entre 1807 y 1845.

Comenzó sus estudios en el Colegio Imperial de San Isidro de Madrid y en 1819 empieza a estudiar dibujo en el estudio de la Merced de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. Allí conoce a Juan Antonio Ribera y asiste a las clases de José de Madrazo, aunque su verdadera inspiración serán Goya y Teniers.

Se especializó en obras costumbristas de pequeño tamaño y en retratos a los que dota de gran expresividad y profundidad psicológica, siendo, además, su obra muy comentada desde los inicios. Además ilustró una edición de "Gil Blas" y otra con los trabajos de Quevedo.

Sus óleos se caracterizan por la factura suelta a base de manchas, la maestría en el manejo de la luz y el dominio del color. En su paleta predominan los tonos pardos y apagados, herencia de las "pinturas negras" de Goya, al que también se aproxima en la temática de sus obras.

Aún siendo un pintor plenamente romántico, ofrece en alguna de sus obras una visión irónica de los tópicos del romanticismo, como en su Sátira del suicidio romántico.

El concepto de arte en la Ilustración (tema)

Durante la Ilustración las artes se dividen en dos grupos: bellas y mecánicas. El concepto de “bellas artes” ya había sido utilizado con anterioridad, pero sólo tomó una forma definitiva y “clara” gracias a la clasificación que hace Charles Batteux a mediados del siglo XVIII.
Para él eran cinco las artes que formaban este grupo: música, poesía, danza, escultura y pintura, pues todas ellas se proponían agradar así como imitar la naturaleza, es decir, todas ellas son valoradas por su belleza. Por ello, el arte estaba dividido fundamentalmente en dos grupos: las bellas artes, que deleitan, y las artes mecánicas, las que tienen utilidad. A estos grupos se acabó añadiendo un tercero que tenía una función intermedia, siendo en él importante tanto el deleite como la utilidad.
Este concepto de Bellas Artes fue rápidamente aceptado aunque en algunos casos sufría determinadas modificaciones, tales como las artes que lo componían o su nombre, pues se sustituía “bellas” por términos como “elegantes” o “refinadas”. Este grupo ocupaba ahora el lugar destacado que habían ocupado anteriormente las artes liberales, y poco a poco esto varió el significado del concepto de “arte”, que a partir de ahora serviría sólo para nombrar a las incluidas en las “bellas artes”.


Ver también:
- El concepto de arte en la Antigüedad
- El concepto de arte en la Edad Media
- El concepto de arte en la Edad Moderna
- El concepto de arte en la Edad Contemporánea

El concepto de arte en la Antigüedad (tema)

Hasta el Renacimiento, la palabra “arte” significaba “destreza” o habilidad, algo que se basa en el conocimiento de unas reglas para poder producir algo, entrando el concepto “regla” a formar parte importante de la definición de “arte”, por lo que algo que fuera tan sólo producto de la inspiración no entraba dentro de la categoría de “arte”, una categoría que entonces era mucho más amplia de lo que es hoy en día. Comprende no sólo lo que después se conocería como “bellas artes”, sino que además abarcaría los oficios manuales o artesanías, a cuyo dominio se llegaría gracias al conocimiento experto de las reglas en su producción. Por lo tanto, el arte es racional por definición e implica un conocimiento, sin depender de ningún tipo de inspiración, intuición o fantasía. Es decir, el arte consistía en un sistema de métodos regulares para fabricar o hacer algo.

Las artesanías y las ciencias no se excluyeron del concepto de arte hasta pasada la Edad Moderna. Dentro de la Antigüedad podemos distinguir seis distinciones de formas de división de las artes:

- Los sofistas distinguieron dos categorías de artes: aquellas que se cultivaban sólo por la utilidad que tenían y las que se cultivaban por el placer que producían, es decir, aquellas que son necesarias para la vida y las que son una fuente de entretenimiento.

- Platón divide las artes en aquellas que producen cosas o “productivas” y las que las imitan o “imitativas”. Aristóteles hizo una división muy similar: las que complementan la naturaleza o las que la imitasen.

- La más aceptada es la que dividió las artes según su práctica requiriese sólo un esfuerzo mental o también uno físico, algo muy importante en la cultura griega, formándose así dos grupos distintos: artes liberales, que se creían superiores, y artes vulgares, que en la Edad Media serían “artes mecánicas”. Esta clasificación fue ampliamente desarrollada por Galeno.

- Quintiliano, sin embargo, hace tres grupos: las que consisten sólo en el estudio (artes teóricas), las que consisten en una actividad o “actus” sin producir nada (artes prácticas, como la danza) y las que producen objetos que continúan existiendo una vez que la actividad del artista ha terminado (artes “poieticas” o productivas).

- Cicerón basó su división según la importancia: artes maximae o mayores (políticas o militares), mediocres o medianas (puramente intelectuales como las ciencias) y minores o menores (pintura, música, escultura, interpretación y atletismo). Plotino diferenció cinco grupos basándose en su grado de espiritualidad: las que producen objetos físicos, las que ayudan a la naturaleza, las que la imitan, las que mejoran o decoran la acción humana y las puramente intelectuales.

Ver también:
- El concepto de arte en la Edad Media
- El concepto de arte en la Edad Moderna
- El concepto de arte en la Ilustración
- El concepto de arte en la Edad Contemporánea