El Lavatorio - Tintoretto (obra)

 "El lavatorio" es una obra del pintor veneciano Jacopo Robusti o Comin, más conocido como Tintoretto. Se trata de un óleo sobre lienzo de 210 x 533 cm. que fue pintado alrededor de 1548 y que se conserva actualmente en el Museo Nacional del Prado (Madrid, España).

Tintoretto - El Lavatorio (1548-9) - Museo Nacional del Prado

Fue un encargo de la Scuola del Santísimo Sacramento de la iglesia de San Marcuola, dedicada a fomentar el culto a la Eucaristía. En la nave central de la iglesia se situarían dos cuadros pareados: este Lavatorio y La Última Cena.

En el cuadro, el artista representa el momento en el que Jesús lava los pies a los apóstoles. El cuadro llama la atención por su perspectiva (destacando el fondo arquitectónico de la escena y con el punto de fuga situado al fondo), en la que primero se creó el espacio y luego se introdujo a los personajes siguiendo el punto de vista del espectador, que, siguiendo su ubicación original, se encontraría a la derecha del mismo y, por lo tanto vería las figuras mejor distribuidas, en una diagonal, sin los espacios que parecen tener entre ellas al observar el cuadro de frente.

Esta forma de entender el espacio en profundidad es algo novedoso en la pintura veneciana del momento.

Cristo, San Pedro y San Juan se encuentran en un primer plano a la derecha de la escena. Más alejados se encuentran algunos apóstoles, esforzándose por quitarse las calzas y sentados a una mesa. Al fondo, entre las columnas, se pueden ver los canales venecianos.

Ver también:

- La pintura veneciana

- La pintura del siglo XVI en Venecia (listado)

Políptico Baroncelli (obra)

El políptico Baroncelli es una pintura al temple y oro sobre tabla realizada por Giotto di Bondone (con la ayuda de Taddeo Gaddi) en torno al año 1328 y ubicada en la capilla del mismo nombre (consagrada a la Virgen) de la Basílica de Santa Croce de Florencia. Se encuentra insertado en un marco renacentista y mide unos 185 x 323 centímetros.

Giotto - Políptico Baroncelli (1328)

Se divide en cinco paneles que se conciben como una única escena que resalta la importancia del panel central, en el que se representa la Coronación de la Virgen. En el resto de paneles se representa a santos y patriarcas con ángeles músicos en el primer plano que evocan el paraíso.

Técnicamente los personajes se sitúan en altura, sin un uso de la perspectiva real o cualquier otro efecto que transmita una realidad espacial. Sin embargo, la tabla central sí transmite cierta sensación de profundidad gracias a la representación del trono en el que se encuentran Cristo y la Virgen y a la ubicación de los ángeles que realizan ofrendas en primer plano

Destaca también la individualización de los rostros de los personajes, algo muy característico de la pintura de Giotto, así como el realismo de los instrumentos representados.

En la parte inferior, en cada compartimento de la predela, hay un hexágono con bustos de diferentes santos (un obispo, Juan Bautista, San Francisco y San Onofre) y con el busto de Cristo en el hexágono central.

Se trata de una obra más relacionada con el gótico internacional que con el arte característico de Giotto.

Ver también: La pintura del Trecento (tema)

San Andrés de Mantua, Alberti (obra)

Fachada de San Andrés de Mantua

El proyecto para la transformación de la basílica de San Andrés de Mantua fue realizado en 1470 por Leon Battista Alberti.

Su fachada es considerada como el resultado de la combinación de dos tipologías diferentes, la pronaos de un templo clásico y un arco de triunfo, a los que se une un frontón típico de los templos. Así, fue diseñada como un arco de triunfo de un vano con arco de medio punto sobre pilastras de orden corintio, flanqueadas, a su vez, por tres vanos entre pilastras corintias adosadas sobre pedestales. El intradós del arco se prolonga hacia el interior como una bóveda de cañón con casetones, iguales a los del interior de la basílica.

La fachada se remata con un frontón triangular con óculo sobre un friso.

El edificio es un templo de planta de cruz latina, que en lugar de tener naves laterales tiene capillas y en el que la nave central está cubierta por una bóveda de cañón. El transepto fue construido ya en el siglo XV, y su cúpula, proyectada por Filippo Juvarra, data del siglo XVIII.

Ianus Quadrifrons (obra)

Ianus Quadrifrons (Roma, Italia)

En la Vía del Velabro de Roma, cuyo nombre evoca la cenagosa orilla del río en el que la loba encontró a Rómulo y Remo, se erige un gran arco de 12 metros de ancho y 16 de alto con pasos en sus cuatro lados. Esta forma sugiere que hiciera las funciones de cruce cubierto que cobijara a los comerciantes de la zona y que marcara el límite del Foro Boario, no siendo considerado como un arco de triunfo.

En los antiguos registros está inscrito como "arcus constantini", lo cual indicaría que data de la primera mitad del siglo IV d.C.

Las caras exteriores de los arcos se encuentran recubiertas de mármol y presentan hileras de nichos en forma de concha, flanqueados por ornamentales columnas con modillones, que albergarían estatuas.

En la Edad Media se convirtió en una fortaleza.

Puede que fragmentos de una inscripción de este arco formen ahora parte de la cercana iglesia de San Giorgio in Velabro.

Plaza del Campidoglio (obra)

Plaza del Campidoglio
Imagen: Google Maps 3D

La Plaza del Campidoglio de Roma se encuentra en lo alto de la colina Capitolina.

Fue proyectada por Miguel Ángel en 1536 bajo el encargo del papa Paulo III con ocasión de la visita del emperador Carlos V.

Su planta es trapezoidal y se adapta a los edificios ya existentes. Su pavimento dibuja un ornamento en forma de estrella. Sobre los edificios existentes, el Palazzo dei Conservatori y el Palazzo Senatorio, Miguel Ángel previó una reforma en las fachadas de los edificios medievales. Pero además planificó la construcción de un tercer palacio, el Palazzo Nuovo. Tanto en éste como en el Palazzo dei Conservatori se conserva y expone la colección de los Museos Capitolinos.

Según los planos de Miguel Ángel, la estatua ecuestre de Marco Aurelio debía convertirse en el centro que dominara toda la plaza.

Una rampa ancha, la "cordonata", cuyas balaustradas se decoran con esculturas clásicas, hace posible el acceso a la plaza, que no se terminaría definitivamente hasta el siglo XVII.
Como curiosidad, el trazado del pavimento y la estatua ecuestre aparecen en el reverso de la moneda italiana de 50 céntimos de euro.

Santa Maria in Aracoeli (obra)

Fachada de la basílica de Santa Maria in Aracoeli, Roma (Italia)
Imagen: Miriam Bueno

Se trata de una basílica de tres naves separadas por columnas que se encuentran tras una fachada sobria de ladrillo a la que se llega por una escalinata de mármol blanco de 124 escalones, construida en el siglo XIV por Simone Andreozzi. Está dedicada a la Virgen de Aracoeli, quien, según la creencia, había salvado de la peste al pueblo romano.
Según la leyenda, la iglesia se encuentra en el lugar donde la sibila tiburtina profetizó a Augusto el advenimiento de Cristo poco antes de que muriera. Poco después, el emperador le dedicó a Cristo un altar, el "ara coeli" o "altar del cielo". Más tarde, se enterró en ese lugar a Santa Elena, la madre de Constantino y patrona de la arqueología.
En la Edad Media, la iglesia pasa a manos de los franciscanos, que le dan su aspecto actual.
Como se ha dicho, es una basílica de tres naves separadas por columnas aprovechadas de otros edificios antiguos que sostienen dos filas de arcos.

Artesonado del techo de Santa Maria in Aracoeli
Imagen: Miriam Bueno

Destaca el artesonado del techo de la nave central, que fue dorado y pintado para conmemorar la victoria veneciana en la Batalla de Lepanto; los frescos de Pinturicchio sobre la vida y muerte de San Bernardo de Siena; y la escultura del Santo Bambino, a la que se adjudican virtudes curativas.

Monumento a Víctor Manuel II (obra)

Monumento a Víctor Manuel II, Roma, Italia
(Imagen: Miriam Bueno)

Este monumento es conocido por distintos nombres: monumento nacional a Víctor Manuel II (Vittorio Emanuele II en italiano) o el "altar de la patria", entre otros.

Se trata de un monumento conmemorativo que preside la Piazza Venezia de la ciudad de Roma (Italia) y que está dedicado al primer rey de la Italia unificada (siglo XIX).

Fue diseñado por Giuseppe Sacconi en 1895 e inaugurado en 1911, pero en realidad los trabajos de construcción no terminaron hasta más de diez años después.

Está construido en mármol blanco del Botticino y destacan su escalinata y columnas corintias. En él existen además varias fuentes y esculturas, representando al rey y a la diosa Minerva con cuadrigas. Destaca también la tumba del soldado desconocido, en la que se encuentra el cuerpo de un combatiente sin identificar de la Primera Guerra Mundial.

Mide 135 metros de ancho y 70 de altura y en su base se encuentra el museo de la unificación de Italia.

Palazzo Venezia (obra)

Palazzo Venezia, 1455, Piazza Venezia (Roma)

El Palazzo Venezia, situado en el lado oeste de la Piazza Venezia de Roma, fue mandado erigir en 1455 por el cardenal Pietro Barbo (posteriormente el papa Paulo II) a Francesco Borgo. Es una de las primeras obras renacentistas profanas y fue usado como residencia por este Papa, para posteriormente ser usado como embajada veneciana.

Su estructura es la típica del palacio romano renacentista: carácter defensivo, asimetría y acentuación de las líneas horizontales. Destacan además las ventanas con cruces en el piso superior, muy típicas de la arquitectura del Quattrocento. En el interior, sus salas decoradas con frescos albergan actualmente un museo.

Sitio web oficial: http://www.museopalazzovenezia.beniculturali.it/

Teatro de Marcelo (obra)

Teatro de Marcelo, Roma
Imagen: Wikipedia

Se trata de un teatro romano iniciado por Julio César y terminado por Augusto en el año 13 d.C., quien lo consagró a su sobrino y yerno, Marco Claudio Marcelo, designado como su sucesor pero muerto prematuramente.

Tiene forma de hemiciclo, y a diferencia de los teatros griegos, no se sitúa en la ladera de la montaña, sino totalmente exento. Contaba con una altura de 33 metros y tenía capacidad para casi 15.000 espectadores, contando con una cávea de casi 130 metros de diámetro y siendo el segundo teatro más grande de la Roma de los Césares por detrás del de Pompeyo. El escenario, del que no quedan restos, estaba flanqueado por dos salas con ábside, de una de las cuales quedan aún en pie una pilastra y una columna. Detrás de éste había una gran exedra semicircular con dos pequeños templos. Actualmente se conservan dos plantas en cuyas arcadas existe una superposición de órdenes (dórico y jónico). La tercera planta es un ático ciego con columnas corintias. El material en el que está construido es mármol travertino y la técnica usada fue el opus incertum.

Fue dañado con el paso del tiempo y abandonado a principios del siglo IV, siendo desde entonces usado como cantera. En el siglo XIII fue usado como fortaleza y en el XVI, Baldassare Peruzzi erigió sobre las ruinas un palacio (tercer piso de la fachada).

Delante del teatro se conservan tres columnas con entablamento pertenecientes al templo de Apolo reconstruido en el 34 a.C.

Joven Baco enfermo, Caravaggio (1593-4) (obra)

Joven Baco enfermo (1593-4), Caravaggio

Esta obra pintada al óleo de Caravaggio es un autorretrato del autor que data de sus primeros años en Roma, siendo por tanto una de sus primeras obras. Actualmente se conserva en la Galería Borghese de Roma.

En ella es notable el naturalismo, típico del norte de Europa, que será una de las constantes en el arte de este pintor y la habilidad del artista en los retratos y bodegones. La pose, sentado de lado y girando la cabeza hacia el espectador, y expresión del protagonista transmiten nostalgia y timidez. Se trata de un Caravaggio pálido y melancólico, quizás realmente enfermo, semidesnudo, vestido sólo con un ligero atuendo atado con un cordón que nos evoca el clasicismo y tocado con unas hojas de enredadera. Ante él encontramos una naturaleza muerta, compuesta de uvas negras, melocotones y hojas, todo ello pintado con gran veracidad y en pequeño tamaño, como aislado, como si fuera un llamamiento al naturalismo en la fría y escultórica pintura romana de la época.

El cuadro es un replanteamiento del mito antiguo.

Templo de Júpiter Óptimo Máximo Capitolino (obra)

El Templo de Júpiter Óptimo Máximo Capitolino es probablemente el templo más importante de los inicios de la Antigua Roma. Se encontraba en la colina Capitolina y estaba dedicado a Júpiter, junto con Minerva y Juno, que formaban la famosa Triada Capitolina.

Reconstrucción del Templo de Júpiter Capitolino
(Imagen: Sailko en Wikimedia commons)

Fue comenzado en época etrusca por Tarquinio Prisco y terminado por el último rey de Roma, Tarquinio el Soberbio, aunque fue consagrado posteriormente, en el año 509 a.C. por el cónsul Marco Horacio Pulvilo.

Planta del Templo de Júpiter Capitolino
(Imagen: Manuel Bueno)

El templo, de forma rectangular, se elevaba sobre un alto podio y tenía una escalinata en su parte delantera, aumentando así la importancia de la fachada, a diferencia de los templos griegos, en los que la escalinata suele rodear al edificio por completo.

Estaba rodeado por columnas en tres de sus lados, mientras que la parte trasera es un muro recto que forma parte de la cella. En la parte delantera contaba además con otras dos filas de columnas exentas que dan lugar a un profundo pórtico o pronaos. La naos o cella estaba dividida en tres partes, estando la central (que era un poco más ancha) dedicada a Júpiter y las laterales a las diosas Juno (a la derecha) y Minerva (a la izquierda). Vemos, por lo tanto, que es un templo construido según cánones etruscos.

El podio (visible en el Palazzo dei Conservatori) está construido con opus quadratum de capellaccio. La cubierta era una techumbre a dos aguas y haciendo de acrótera se encontraba una cuádriga de terracota pintada realizada por el etrusco Vulca de Veyes que posteriormente fue sustituida por una de bronce. La estatua principal, del dios Júpiter, también era originariamente de terracota policromada.

El templo sufrió varios incendios y fue reconstruido en varias ocasiones cambiando su estilo y características.

Fra Angelico (listado de obras)

Algunas de las obras de Fra Angelico son:

Fra Angelico - La Anunciación
Museo Nacional del Prado

- Madonna de la estrella
- Cristo en la gloria rodeado de santos y ángeles
- El juicio universal
- La Anunciación
- La coronación de la Virgen
- Virgen con el Niño entronizados
- Deposición
- Decoración del convento de San Marcos de Florencia
- Ciclo de frescos con las vidas de San Esteban y San Lorenzo en la capilla privada de Nicolás V
- Virgen de la granada
- Virgen de la humildad

Ver también: Fra Angelico (tema)

Fra Angelico (tema)

Nacido en Mugello, Guido di Pietro (1395/1400 - 1455), pintor del Quattrocento italiano, se traslada pronto a Florencia ingresando en un taller de manuscritos y formándose allí como iluminador. El nombre de "Fra Angelico" con el que es conocido en la Historia del Arte aparece catorce años después de su muerte en referencia a su profunda espiritualidad.

Fra Angelico - La Anunciación
(Museo Nacional del Prado)

Entre 1420 y 1432 compagina la iluminación con obras de altar para Santo Domingo y otras fundaciones de la orden, aplicando en ellas el preciosismo y detalle propio de las miniaturas. En sus obras se denotan diversas influencias, desde el gótico internacional al arte de Masaccio.

El tríptico que realiza para el Arte de'Linaiuoli (1432-1436) marca un antes y un después en su obra. Esta obra señala la madurez artística de Fra Angelico y su decantación por las propuestas más avanzadas de su tiempo, que coinciden con una generación anterior a la suya: su concepción espacial y la monumentalidad de sus figuras lo acercan más a Masaccio y a Ghiberti que a sus contemporáneos.

Fra Angelico contaba ya en los años 30 con un amplio taller y entre sus discípulos destaca Benozzo Gozzoli.

En 1446, Eugenio IV es nombrado Papa y Fra Angelico se traslada a Roma, donde estuvo pintando cuatro años en el Vaticano. De esta época sólo se conserva el ciclo de frescos con las vidas de San Esteban y San Lorenzo en la capilla privada de Nicolás V.

Tras una breve estancia en Orvieto, regresa a Florencia en 1450 para asumir el priorato de Santo Domingo en Fiesole.

Su último encargo fue la desaparecida decoración al fresco del claustro de Santa María sobre Minerva, principal fundación dominica en Roma, donde siguió un programa iconográfico concebido por fray Juan de Torquemada.

Destaca en su obra las expresiones de devoción de los rostros, el uso de la perspectiva lineal de Alberti y la utilización magistral del color, que consigue dar mayor emotividad a la obra.

Ver también: Fra Angelico (obras)

El románico normando o siciliano (tema)

La conquista normanda de Sicilia, culminada con la coronación de Roger II como rey en el año 1130, vuelve a llevar la cultura occidental a la isla tras dos siglos de dominación árabe. Se trataba de una isla muy influenciada por las formas bizantinas y la decoración islámica. Esto sumado a la tolerancia de los normandos hace que se complementen ambas tendencias en los edificios de rito latino y en los edificios cortesanos. Se produce un sincretismo figurativo de gran calidad artística.

En arquitectura se produce el realce del crucero, entendido como núcleo principal del edificio, gracias a distintos efectos de perspectiva y claroscuro. A mediados del siglo XII empiezan a surgir elementos característicos del románico tardío, como la articulación compleja y exagerada de los exteriores, la cubierta con bóveda estrellada de tipo oriental, la decoración con mosaicos de piedra...

El modelo de corte en la Italia del siglo XV (tema)

En la relación entre arte y poder, el mundo de la corte fue el escenario privilegiado a lo largo de la época moderna. Las cortes italianas del siglo XV iniciaron un modelo luego desarrollado, y lógicamente amplificado y modificado en las cortes europeas. Además, las cortes de la Baja Edad Media y su comportamiento ya preludiaron a las cortes italianas del siglo XV.

“El Príncipe” de Maquiavelo y “El Cortesano” de Castiglione son dos obras que nos sirven para sintetizar el modelo de corte que se experimenta en el Quattrocento.

El príncipe ejerce un dominio que hace que el Estado se llegue a identificar con su persona, en un proceso que culminará en los absolutismos del Barroco. Pero para Maquiavelo hay distintas formas de principados, heredados o nuevos, y para mantener el poder son necesarias las armas, la fortuna y la virtud. Además, muchos de estos gobernantes tendrán su origen como condottieri, debido a los beneficios que les otorgaba esta profesión. Maquiavelo también defiende que al vulgo se le seduce por la apariencia, por lo que el modelo de corte tiene mucho de apariencia, de espectáculo y de magnificencia, para la mayor gloria del príncipe.

Castiglione en su obra hace un retrato del perfecto cortesano, y para él una de las cualidades más alabadas es la “sprezzatura”, lo que sobre todo es la capacidad del cortesano de hacer todo con una facilidad aparente que en realidad oculta mucho trabajo, una facilidad que esconde muy bien la dificultad. Es una cualidad que pasó al ámbito artístico.

Ver también: Los cortesanos italianos en el siglo XV: los humanistas y las damas

Los cortesanos italianos del siglo XV: los humanistas y las damas (tema)

Una corte podía estar formada por cientos de personas al servicio de un señor, y se desplazaba con él. Obviamente había jerarquías entre los cortesanos, pero aquí nos vamos a referir a los que se relacionaban con el mundo de la palabra y de la imagen, y cuya finalidad era la exaltación del poder de su señor. Hay dos grupos fundamentales: los humanistas y filósofos y las damas.

Uno de los fenómenos culturales y científicos mejor estudiados es el del neoplatonismo florentino, en torno al filósofo Marsilio Ficino. Éste, combinado con el hermetismo, influiría en la literatura y en las artes figurativas, siendo su difusión europea. El alma se muestra en los ojos, y la mirada, el sentido de la vista, es capaz de percibir la armonía y la belleza. Muchas de las reuniones en las que los humanistas y miembros de las cortes debatían se celebraban en las villas, residencias que surgieron como alternativa a la vida en la ciudad y que acabarían convirtiéndose en uno de los grandes signos de poder de un señor a lo largo de la época moderna.

En cuanto a las damas, en “El Cortesano” se pone de manifiesto la necesidad de que éstas sean cultas, hermosas, educadas en todas las artes, ingeniosas, afables… y además, que sean capaces de gobernar como un varón.

Ver también: El modelo de corte en la Italia del siglo XV

La pintura del siglo XVI en Venecia (listado)

• Giorgione
• Los tres filósofos
• Tempestad
• Retrato de una anciana
• Tiziano
• Noli me tangere
• Asunción de la Virgen
• Martirio de San Lorenzo

• 

  Tintoretto - El lavatorio
  

  Venus y Adonis
• Perseo y Andrómeda
• Diana y Acteón
• El rapto de Europa
• Carlos V en la batalla de Mühlberg
• Ecce Homo
• Cristo coronado por espinas
• Autorretrato

• Tintoretto
• Milagro del esclavo
• Lavatorio
• Última cena
• Paolo Veronés
• Triunfo de Mordecai
• Banquete en la casa de Leví

Miguel Ángel (artes visuales) (tema, listado y álbum)

La acumulación de experiencias que se había producido en Florencia durante el siglo XV permitió la maduración a comienzos de la centuria siguiente de varias figuras excepcionales como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y Rafael Sanzio.

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) se formó en el taller de pintura de Domenico Ghirlandaio y más tarde en el de escultura de Bertoldo.

En cuanto a la escultura, Miguel Ángel hizo avanzar de forma notoria el modelo artístico heredado intentando mejorar la representación de la realidad visible y la vivacidad de las figuras. Sus esfuerzos se concentraron en el estudio del comportamiento anatómico y expresivo de la figura humana. Como en la estatuaria clásica, el cuerpo humano debía ser un ente orgánico cuya estructura se comportase racionalmente. Los músculos y su movimiento debían funcionar como señal de vida. Su terribilità estaba relacionada con el uso de la exageración anatómica como recurso expresivo. La anatomía también servía como herramienta de captación psicológica. Todo esto suponía cierta ruptura con los principios de armonía de Alberti, sin embargo sus obras servían cono modelos de representación retórica y dramática de las emociones y los conceptos.

Obras:
- Virgen de la escalera
- Batalla de los centauros
- Baco
- Piedad
- David
- Sagrada Familia (Tondo Doni)
- Sepulcro monumental de Julio II
- Redecoración de la Capilla Sixtina
- Sacristía nueva de San Lorenzo de Florencia
- Juicio Final (Capilla Sixtina)
- Esclavos
- Pietà Rondanini

Algunas de las obras realizadas por Michelangelo Buonarroti
Posted by Historia, cultura y arte on Martes, 4 de marzo de 2014

Leonardo (artes visuales) (tema y listado)

La acumulación de experiencias que se había producido en Florencia durante el siglo XV permitió la maduración a comienzos de la centuria siguiente de varias figuras excepcionales como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y Rafael Sanzio.

Leonardo da Vinci (1452-1519) fue un actor fundamental en los cambios que marcaron la transición del Quattrocento al Cinquecento en toda Italia. Se formó en el taller de Andrea del Verrocchio. Su caracterización como “uomo universale” está relacionada con su trabajo como ingeniero en la corte de Milán, y su experimentación técnica tiene que ver con las tareas que se le encomendaron allí. Además, la curiosidad y el afán experimentador de Leonardo jugaron un papel importante en su evolución artística. Su trabajo pictórico logró incorporar herramientas de gran valor al propósito colectivo de mejora de la representación de la realidad visible que habían desarrollado los pintores italianos desde Giotto. Para ello, en ocasiones emprendió análisis empíricos.

Una de las mejoras fundamentales que introdujo procede de su comprensión de las diferencias entre la reproducción de la realidad visible sobre la superficie del lienzo y la conformación de una imagen correcta de esa realidad en el ojo y la mente del espectador. La ilusión de la realidad consistía en conseguir reproducir su imagen en condiciones reales de visión, considerando los efectos que la distancia y la iluminación tienen sobre la definición de los contornos y el color. Su propuesta técnica del sfumato promovía el uso de luces y sombras escasamente contrastadas, que definieran los contornos con ambigüedad. Además, esta técnica servía para insinuar una mayor profundidad psicológica en las expresiones del rostro humano.

Obras:
- Virgen con el niño, Santa Ana y San Juan Bautista
- Virgen con el niño y Santa Ana
- Virgen del huso
- Mujer con diadema
- Virgen de las rocas
- Última cena

La escultura del Quattrocento (tema)

La escultura participó desde el inicio en la revolución de modelos visuales que se vivió en Florencia durante el primer cuarto del siglo XV. Como en la pintura, los cambios tenían el objetivo último de obtener herramientas para reproducir de forma fiable la realidad visible. En este sentido Alberti definió la escultura como “las artes de los que intentan producir efigies y simulacros en su obra a partir de los cuerpos creados por la naturaleza”. Para adquirir gran eficacia en esa imitación la mejor vía era una combinación de la observación del entorno y el estudio de las esculturas clásicas. Las proporciones trataban de recuperar la monumentalidad y la austeridad de las figuras clásicas. De nuevo el cambio de mentalidad tuvo lugar en Florencia.

Entre las nuevas tipologías destacan los sepulcros, cuyo modelo medieval se renueva para adoptar nuevas lecturas humanistas acordes con las formas clásicas, y los retratos en busto al modo romano, tanto de piedra como de cera, como modo de representación social. Los primeros ejemplares solían reproducir con fidelidad los rasgos del difunto. Sin embargo, la evolución del género llevó hacia una suavización de los rasgos individuales debida a la aplicación de correcciones que intentaban compatibilizar el retrato con los cánones habituales de belleza ideal.

Destacan varios escultores:
- Donatello
- Ghiberti
- Luca della Robbia
- Andrea del Verrocchio
- Pietro Lombardo
- Antonio Rosellino