La pintura realista (tema)

El realismo es un estilo pictórico que surge en Francia en el siglo XIX. Su principal representante fue Courbet, cuya obra "El taller del pintor" es considerada el manifiesto de este movimiento pictórico.

Courbet - El taller del pintor

La pintura realista se caracteriza por su antiacademicismo y su crudeza al representar la realidad de la sociedad en la que viven estos pintores. Además, es notable su compromiso con las clases bajas y su estrecha relación con los movimientos políticos de izquierdas. Este vínculo con las clases bajas o humildes se produce al ser la intención de los pintores realistas la denuncia social y de la situación de las clases trabajadoras dentro de su sociedad. Esta pintura realista conectaría con el naturalismo posterior.

Destaca también en Francia el grupo de pintores de la Escuela de Barbizon, al que pertenecía Millet, uno de los realistas más destacados. Este grupo se centra en la pintura de paisaje.

Pero el realismo no se produce sólo en Francia. En Inglaterra se asocia el realismo a la Escuela de Newlyn y en Italia al grupo de los Macchiaioli. 

La escultura ibérica (tema)

La escultura ibérica está formada por pequeñas estatuillas de bronce (utilizadas como ofrendas o exvotos) y esculturas de piedra (arenisca o caliza) de mayor tamaño. Se trata de una escultura con ciertos rasgos orientalizantes y de otros pueblos colonizadores.

Guerrero de Mogente

Entre las pequeñas figuritas metálicas encontramos esculturas humanas, tanto masculinas como femeninas, y esculturas animales. Son exvotos realizados con la técnica de la cera perdida. Cabe destacar el Guerrero de Mogente.

Entre las esculturas realizadas en piedra, con una finalidad funeraria o religiosa, podemos destacar las esculturas de animales (como los relieves del monumento de Pozo Moro) y otros animales fantásticos (como la Bicha de Balazote) que son guardianes de tumbas y lugares de culto y las damas, figuras femeninas, ricamente adornadas con joyas y ricos ropajes. Todas ellas se realizaron durante los siglos V y IV a.C., en la época plena de la cultura ibérica. Además, se sabe que algunas de las piezas, después de talladas, fueron estucadas y pintadas con llamativos colores.

Dama de Elche

Entre las "damas", que podían servir de urnas cinerarias o cumplir el papel de damas oferentes, cabe destacar la Dama de Baza, la Dama de Elche o la Gran Dama Oferente del Cerro de los Santos.

Entre los yacimientos más importantes podemos destacar:

- Santuario del Cerro de los Santos

- Santuario del Llano de la Consolación

- Santuario del Collado de los Jardines

- La Fuentecica

- El Cigarralejo

El Gravetiense en la Península Ibérica (tema)

Después del Auriñaciense, la mayor parte del continente europeo asiste a la expansión del Gravetiense. Es un complejo industrial que tiene una gran extensión cronológica y espacial. En España se constata desde el 28.000 al 21.000 B.P.

Colgante gravetiense
Cueva de El Pendo
Museo Arqueológico Nacional

Presenta elementos comunes claramente identificables, como un utillaje definido por la presencia de puntas laminares tipo Gravette y la estandarización de los útiles sobre hueso, nuevas estrategias de subsistencia que incluyen los contactos a larga distancia y la generalización de la caza especializada y un sustrato simbólico común que se manifiesta en la existencia de santuarios, la representación de la sexualidad femenina (“venus” esculpidas y vulvas dibujadas) y la vuelta a los enterramientos de inhumación.

Supuso un gran aumento demográfico y una concentración de la población en determinadas regiones:

- El Gravetiense cantábrico (Bolinkova y Amalda en el País Vasco, Cueva del Castillo y Cueva Morín en Cantabria y Llonín y La Viña en Asturias). Ahora el arte rupestre experimenta un gran desarrollo.

- En el Gravetiense mediterráneo (Reclau Viver en Cataluña, Mallaetes y Parpalló en Valencia y la Cueva de Nerja en Málaga) destacan los útiles sobre hueso y los colgantes sobre moluscos perforados o con entalles para la suspensión. También existen evidencias de caza especializada y destaca el aprovechamiento de numerosos recursos marinos.

La casi totalidad de los yacimientos están emplazados en cuevas o abrigos rocosos, probablemente como consecuencia del enfriamiento climático.

El arte rupestre se muestra en forma de incisiones parietales profundas y dibujos de animales no peligrosos. También se han encontrado vulvas, manos y antropomorfos pintados. El arte mueble experimenta una gran explosión, destacando los colgantes.

Ver también:

- La Edad de Piedra (historia)

- El Paleolítico (tema)

- Las venus paleolíticas (tema)

El Auriñaciense en la Península Ibérica (tema)

El Auriñaciense (40.000-28.000 B.P.) es un periodo de la prehistoria perteneciente al Paleolítico, concretamente al Paleolítico Superior. Se difunde por toda Europa a partir del 35.000 B.P. y presenta cierta homogeneidad industrial, diferenciándose claramente de la cultura musteriense, típica del Paleolítico Medio. 

Azagaya auriñaciense
Cueva del Castillo
Museo Arqueológico Nacional

Sus útiles característicos en industria ósea (hueso y asta) son las azagayas y en el material lítico los raspadores espesos (carenados) y en hocico, así como las hojas auriñacienses y los buriles.

En Europa occidental es un periodo más prolongado que en el resto del continente.

Continúan los patrones de caza musteriense, hablándose por tanto de estrategias oportunistas y vinculadas a lo disponible en el entorno, que se combinan con el carroñeo.

En Francia y España parece corresponder a las primeras pinturas rupestres. Así, la mejor gestión del espacio y el desarrollo del simbolismo evidencian avances cognitivos importantes, todo ello con significativas diferencias regionales.

Existen ejemplos de útiles y arte Auriñaciense en Cantabria (Cueva del Castillo), Asturias (Tito Bustillo), País Vasco y Cataluña (L’Arbreda).

La cultura del Argar (tema)

Prácticamente en el II milenio a.C., la Península Ibérica abandona el Calcolítico y se adentra en la Edad del Bronce.

En el sudeste peninsular los grupos de la Cultura de los Millares dieron paso a la Cultura Argárica que se desarrolló principalmente en las actuales provincias de Almería, Granada y Murcia, aunque también en las áreas limítrofes.

Esta cultura, que tuvo una duración de casi mil años, fue descubierta y definida a finales del siglo XIX por los hermanos Siret.

Está caracterizada por pueblos levantados sobre colinas de difícil acceso, muchos de ellos con fortificaciones. Hay construcciones de carácter doméstico y otras mayores, dedicadas a talleres, actividades productivas y almacenes centralizados. Además, los antiguos poblados de casas circulares calcolíticos fueron sustituidos por otros de traza más regular, con calles bien definidas y viviendas rectangulares de piedra y adobe. Estos asentamientos suele estar cerca de fuentes de agua potable y, algunos, de los yacimientos de cobre y plata.

Copa
Cerro de la Encina
Museo Arqueológico Nacional

Los enterramientos se realizaban en cistas, pithoi o covachas en el suelo de las propias viviendas. Las ofrendas funerarias presentan grandes diferencias entre ellas y su análisis plantea la hipótesis de jerarquización social. Estos enterramientos suelen ser individuales, pero, en ocasiones, incluyen a dos o incluso tres personas de una misma familia en una cista.

La economía argárica estaba basada en la agricultura y la ganadería, con una escasa representación de productos obtenidos de la caza, recolección o el marisqueo. La cerámica se fabricaba manualmente, era de buena calidad y con tipologías estandarizadas. Asimismo, la manufactura textil fue la principal industria y utilizaba exclusivamente el lino.

Por otra parte, la sociedad argárica estaba estructurada en unidades domésticas de pequeño tamaño. El estudio de los ajuares funerarios nos habla de hasta cinco estratos sociales jerarquizados, piramidales y de carácter hereditario: dirigentes masculinos, mujeres y niños pertenecientes a la élite, hombres y mujeres de pleno derecho, individuos de rango inferior que podrían ser personas libres dedicadas a labores productivas y, por último, personas desprovistas de ofrendas que podrían ser siervos o esclavos.

En cuanto a los yacimientos argáricos cabe destacar: Cabezo Redondo (Villena, Alicante), El Argar, Fuente Álamo o Gatas (Almería), El Cerro de la Encina o Cuesta del Negro (Granada), Peñalosa (Baños de la Encina, Jaén), y Cerro de las Viñas, La Almoloya o El Rincón de los Almendricos (Murcia).

Pablo Picasso (1881-1973) (tema)

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) fue un pintor y escultor español creador, junto con Georges Braque, del cubismo.

Las dos hermanas (1902)
Museo del Hermitage

Empezó a pintar desde niño y sus primeros trabajos, caracterizados por un gran realismo, mostraban cierta predilección por los personajes populares.

De 1895 a 1900 residió en Barcelona, estudió en la Llotja y se relacionó con el grupo Els Quatre Gats.

Su producción artística entre 1902 y 1904 es conocida como "época azul", un color elegido por su efecto calmante y su capacidad para resaltar la simplicidad de las líneas. Temáticamente, destacan soledad de los niños, la miseria de pobres, mendigos y ciegos, plasmados con sentimiento patético. Se trata de una época de su vida marcada por la desesperación y por una visión pesimista que le inclina a la denuncia de las miserias. Artísticamente, en esta época es notable la influencia de El Greco, Van Gogh y Gauguin.

En 1904-5, instalado ya en París, cambia su paleta hacia tonos rosas y rojos, más cálidos, y el dibujo se basará en la rapidez de las líneas. Es lo que se conocerá como "época rosa". La temática también será diferente, destacando ahora los temas circenses y los personajes de la farándula.

Las señoritas de Avignon (1907)
Metropolitan Museum of Modern Art

En torno a 1907 se desarrolla la "época negra", llamada así por el protagonismo de manifestaciones culturales procedentes del África negra. En este periodo, en el que busca una vuelta al clasicismo temático y formal, se siente atraído por la escultura negra, los relieves íberos y del arte egipcio y trabaja en la creación de un mundo de formas severas. La estilización y geometrización de las figuras le lleva a asumir planteamientos cubistas hacia 1906 y será en esta época cuando realice "Las señoritas de Avignon".

A partir de 1910, comenzó a presentar estudios analíticos de sus figuras, reduciendo las formas a equivalentes geométricos y analizándolas de manera que los distintos lados y partes pudieran ser vistos simultáneamente por el espectador, usando además un número limitado de colores. Es el comienzo del cubismo.

Entre 1912 y 1915 Picasso y Braque desarrollaron otra fase del cubismo (cubismo sintético), en la que formas, objetos y palabras se volvieron reconocibles, recuperaron el uso de un cromatismo más sólido y brillante, los planos se contornearon, superponiéndose y apareciendo una implicación con superficies texturadas y estampados decorativos. Picasso abandona el análisis del objeto para captar su fisonomía esencial incorporando elementos reales. Además, introduce en sus pinturas pedazos de papel encolados, conocidos como “collages”. 

Entre 1914 y 1920, pinta en un estilo más fácil y decorativo. Poco importa que deforme la figura humana y no respete los cánones clásicos o que rechace el ideal de belleza. Lo fundamental es que se interesa de nuevo por los valores de la representación. 

Durante la guerra su trabajo se centró en bodegones cubistas y retratos de estilo naturalista; el cubismo, el puntillismo, el manierismo y el neoclasicismo coexistieron en su trabajo desde 1917. Al finalizar la guerra, aunque siguió trabajando simultáneamente en estos estilos tan dispares, Picasso tendió hacia un estilo neoclásico, que se mostró plenamente desarrollado en 1920 y que sustentó su interés hasta 1924.

Guernica (1937) - Museo Reina Sofía

A finales de los años 20 y mediados de los 30, sus pinturas presentan deformaciones y fantasías imaginativas surrealistas, mientras que usa los colores de forma limitada. Un ejemplo de esta época es el "Guernica". 

Tras la Guerra Mundial se interesa por la litografía y ya en la década de los 60 completó una serie de pinturas al óleo sobre obras de Velázquez, Courbet y Delacroix, pero también le interesó la tauromaquia, que plasma en aguatintas y grabados.

En su periodo final trató temas referentes a la muerte, al sufrimiento y al amor, otorgando una gran importancia a la subjetividad gestual y emotiva, con pinceladas muy sueltas y expresionistas.

El expresionismo alemán (tema)

El expresionismo es un estilo pictórico, encuadrado dentro de las vanguardias históricas, que se desarrolla principalmente en Alemania sin un perfil cronológico preciso, aunque situado a principios del siglo XX. Cabe mencionar, además, que se trata de un movimiento cultural desarrollado también en otros ámbitos, como el cine o la literatura.

Los expresionistas defienden, como reacción al impresionismo, que, dejando al margen el naturalismo, el color podía despertar determinados sentimientos. Así, sacrifican la forma a la expresión de sentimientos y pasiones extremas y dan mayor importancia a lo subjetivo. En su pintura destacan los temas que aluden a la angustia, la soledad, el misterio...

En los primeros expresionistas destaca la influencia de las formas curvas del art nouveau y en artistas posteriores es notable la influencia del fauvismo francés. Además, en Alemania, el primer expresionismo hacía hincapié en el significado de la obra y daba mayor importancia al dibujo que a la pincelada.

Ernst Ludwig Kirchner
Fränzi ante una silla tallada (1910)
Museo Thyssen Bornemisza

Dentro de esta corriente pictórica destacan dos grupos: Die Brücke y Der Blaue Reiter.

El grupo Die Brücke (El puente) se forma en 1905 en Dresde y en él es notable la influencia de los fauves franceses a través del colorido estridente, aunque con una mayor estilización y angulaciones. Su interés se centra en la psicología o el conflicto íntimo del hombre.  Además, buscó conectar con el público en general, haciéndole partícipe de las actividades del grupo. Dentro de él destacan las figuras de Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde y Kees van Dongen.

Der Blaue Reiter (El jinete azul), por su parte, se forma en Munich en 1911 y se interesa más por las posibilidades espirituales de la pintura pura que por lo psicológico o social. Destacan en este grupo Kandinsky, Franz Marc y August Macke.

Otros artistas expresionistas son Munch, Georges Rouault, Erich Heckel, Lyonel Feininger, Gabriele Münter, Egon Schiele y Oskar Kokoschka. 

Suprematismo (tema)

Kazimir Malevicht
Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915)

El suprematismo es una corriente pictórica que nació en Rusia en torno al año 1915 y que se caracteriza por ser un arte abstracto con una esencialidad extrema. En el texto Del cubismo al suprematismo, Kazimir Malevicht (1878-1935) define el suprematismo como "el redescubrimiento del arte puro, el cual, a lo largo del tiempo, había quedado oscurecido por una acumulación de cosas". 

Se trata, por tanto, de un arte abstracto compuesto de formas geométricas puras (cuadrados, círculos, triángulos) y colores simples y planos que renuncia a la tercera dimensión y a toda representación de cosas, de la "supremacía de la sensibilidad". Es, además, un arte ajeno a toda utilidad.

Así, el suprematismo de Malevicht establecía las bases para la formulación de un nuevo proyecto de un mundo en equilibrio y sin contradicciones, del que posteriormente arrancarán los constructivistas.

Puntillismo (tema)

Georges Seurat - Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte

Instituto de Arte de Chicago

El puntillismo, denominado también en ocasiones divisionismo, es un estilo pictórico postimpresionista que consiste en la realización de una obra mediante puntos de ciertos colores (puros o primarios) que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. 

Aparece por primera vez en la década de los años 80 del siglo XIX, su centro de producción fue Francia y sus máximos representantes son Georges Seurat (1859-1891) y Paul Signac (1863-1935), miembros ambos de la Sociedad de Artistas Independientes, donde se conocieron.

El cambio del impresionismo al puntillismo se vio beneficiado por los estudios teóricos y científicos sobre el color y las formas que, si bien ya eran conocidos por artistas anteriores, son los puntillistas los que lo llevan a su máxima aplicación.

Arquitectura visigoda (tema)

La arquitectura visigoda basa su definición a partir de ciertas características comunes encontradas en diferentes iglesias datadas del siglo VII con gran independencia frente al resto de focos del arte cristiano contemporáneo. Aún así, cabe destacar la escasez de monumentos visigodos y su dispersión geográfica.

Iglesia de San Juan de Baños
Imagen: Wikimedia Commons

Una de las constantes más llamativas es el empleo del arco de herradura, aunque más abierto que el usado posteriormente por los musulmanes, cuyo uso se debe tanto a motivos estéticos como funcionales, debido a la gran estabilidad que tiene durante su construcción.

Destaca también el uso de sillería de gran tamaño, introduciendo así en la Península Ibérica nuevos sistemas de cantería. Se trata de bloques de piedra de gran tamaño recortados en planos rectos que encajan entre sí sin que sea necesario formar hiladas de la misma altura. Esta sillería está asentada en seco, es decir, sin mortero, aunque en algunos lugares se usaron grapas de madera.

Esta arquitectura de muros de sillares gruesos y rectos permite establecer medidas precisas y reconocer las unidades y módulos empleados, destacando un patrón de 80 centímetros de longitud.

Otra norma general de la arquitectura visigoda es la del empleo de bóvedas de sillería o ladrillo. La bóveda de cañón, a veces de sección prolongada hasta la forma de herradura, se prefiere para capillas, cámaras y naves de poca longitud; en las naves largas se optará por armaduras de madera. Por otra parte, las soluciones en los cruces de las naves son muy variadas.

La arquitectura visigoda emplea sistemas constructivos ya conocidos y empleados en el mundo bizantino, pero con un resultado final muy distinto.

En cuanto a la organización interna de los templos, que puede ser muy variada, el cambio más significativo, exigido por la forma de culto, es la introducción general de un crucero o transepto que separa la zona de las naves y la capilla mayor y que recibe el nombre de chorus.

En cuanto a la decoración, existe una preferencia por la formación de bandas horizontales que dan lugar a decoraciones con motivos geométricos o de tallos vegetales entrelazados.

Entre las iglesias visigodas cabe destacar las de San Juan de Baños, San Pedro de la Nave, Santa Comba de Bande o Santa María de Quintanilla de las Viñas.

Por otra parte, la arquitectura civil y militar de época visigoda es poco conocida.

Neoplasticismo (tema)

El Neoplasticismo o movimiento De Stijl (1917-1931) se caracteriza a través de la obra de los pintores Piet Mondrian y Theo van Doesburg y el arquitecto Gerrit Rietveld. Aunque tuvo otros miembros, se trata de una unión cuyo vínculo formal fue la firma del Primer Manifiesto De Stijl (1918), en el que declaran que la nueva conciencia debería salvar el equilibrio entre lo universal y lo individual (algo que también hará Mondrian individualmente en "El Neoplasticismo en pintura" y en "La morfología y la neoplástica"). 

Se trata, como muchas vanguardias, de un testimonio de la crisis general de la conciencia europea ante la Gran Guerra y de una de las primeras propuestas de un nuevo arte para un mundo nuevo, caracterizada por su optimismo o esperanza.

Piet Mondrian
Composición en rojo, amarillo, azul y negro (1926)

Este movimiento nació como confluencia de dos modos conexos de pensamiento: la filosofía neoplatónica del matemático Schoenmaekers (quien escribe que "los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la Tierra alrededor del Sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos que tiene su origen en el centro del Sol. [Además,] los tres colores principales son esencialmente el amarillo, el azul y el rojo") y los conceptos arquitectónicos de H.P. Berlage y Frank Lloyd Wright. Se funda también sobre una rigurosa restricción en los medios. Se trata, en definitiva, de alcanzar un arte autosuficiente, capaz de expresar armónicamente la fuerza y armonía del universo, escapando al mismo tiempo de su visión trágica.

Es un arte basado en la abstracción y lo elemental que busca una renovación estética universal. Se caracteriza por el uso de la línea, la geometría y los colores planos (normalmente rojo, azul, amarillo, blanco y negro).

Podemos dividir su desarrollo en tres fases:

- De 1916 a 1921 se produce una fase de formación centrada en Holanda. Son la pintura, la escultura y la polémica cultural las que determinan y configuran la actividad neoplástica durante estos años.

- De 1921 a 1925 se vive un periodo de plenitud y expansión internacional.

- De 1925 a 1931 se produce una fase de evolución posneoplástica que estuvo acompañada de la desintegración. En su inicio está la dramática ruptura entre Mondrian y van Doesburg. Hacia 1930 el ideal neoplástico de un mundo de armonía universal había sido erosionado, en primer lugar por la polémica inconsistencia y controversia internas y, posteriormente, por el efecto de la presión cultural externa.

Pop art o arte pop (tema)

"El arte pop es popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio redondo."

Richard Hamilton.

La recuperación económica tras la Segunda Guerra Mundial traía con ella un consumo que se iba a convertir en una característica definitoria de la nueva sociedad. Debido a la relación del consumo con el arte pop, su desarrollo es mayor en las sociedades más avanzadas económicamente hablando: Estados Unidos e Inglaterra.

Richard Hamilton - ¿Qué tienen los hogares modernos
que los hace tan diferentes, tan atractivos? (1956)

El pop art, cuyo auge se produce en los años sesenta del siglo XX, toma sus temas de la cultura popular de la forma en que la transmiten los medios de masas, con preferencia por los estereotipos. Sus imágenes son las de las revistas ilustradas, la televisión, el cine, la publicidad... Se trata, por lo tanto, de imágenes intrascendentes y superficiales, pues lo que interesa no es la realidad de las cosas, sino su representación.

Por otra parte, el arte pop se integra plenamente en el modo de producción industrial de la época, pues los procedimientos artísticos son industriales: las imágenes se fabrican en serie y se venden como productos de supermercado. El artista, el yo, ya no es el protagonista, sino que lo son las propias imágenes, a través de las cuales los artistas buscan atraer la atención del espectador sobre todas las cosas que la alta cultura había desdeñado.

Formalmente se busca la máxima simplificación, tomando como base los procedimientos de la publicidad y la imprenta: grandes formatos, gama de colores limitada, el enmarque y la repetición de objetos... Desde el momento en que el tema es todo aquello que nos rodea y que hasta ahora había sido despreciado como material no artístico, el trabajo consiste en elegir, manipular, reproducir. Por eso en el pop tiene tanta importancia la copia, la reproducción y la cita.

Entre los autores del arte pop en Estados Unidos podemos destacar a Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Claes Oldenburg. 

Por otra parte, entre los artistas pop europeos cabe mencionar a Richard Hamilton y David Hockney.

Op art o arte óptico (tema)

El Op Art o Arte Óptico es una tendencia artística que surge en los años 60 del siglo XX. Su desarrollo se produce en paralelo al de la abstracción pospictórica y al minimal, con el que comparte el uso de elementos geométricos. Además, tiene sus raíces en las vanguardias históricas y en la Bauhaus.

Se producen algunas manifestaciones de este arte en Estados Unidos, pero su centro principal está en Europa, sobre todo en París.

VEGA III - Victor Vasarely

El arte óptico parte de la ambigüedad de la percepción para dar energía a pinturas o relieves y crear una variedad de efectos ilusorios en el espectador. Indaga en la interacción con la ilusión y el plano del cuadro, entre entender y ver. Se da la impresión de movimiento, vibraciones, patrones o deformación. Así, en este tipo de obras se requiere la participación activa del espectador, que debe moverse para apreciar el efecto óptico. Por tanto, no existe ningún aspecto emocional en las obras.

Se suelen distinguir tres momentos diferentes aunque no temporales: en el primero se trabaja con obras bidimensionales aunque se buscan efectos de tridimensionalidad; en el segundo se introduce la tercera dimensión, creando una doble superficie o añadiendo otros objetos al cuadro; en el tercer momento ya es la propia obra la que tiene movimiento.

Heredero de las teorías de la vanguardia rusa de unir el arte con la vida, de armonizar arte y ciencia, técnica y sociedad, el Op Art rebasa el campo de las galerías y sale a la calle. Su triunfo es amplio pero efímero.

Como figura principal de este movimiento hay que destacar a Victor Vasarely.

La escultura barroca en España (tema)

La escultura española del siglo XVII tiene mucho que ver con la Contrarreforma religiosa, pues España se erigió como paladín de la fe católica europea. A los férreos dictados de la Contrarreforma se suma la decadencia política, económica y social de la monarquía española, que influirá de manera decisiva en el arte.

Gregorio Fernández - Cristo atado a la columna
(Imagen: L. Fernández - Wikimedia Commons)

La temática de la escultura barroca española es fundamentalmente religiosa, pues se trata de piezas destinadas a la devoción, tanto pública como privada, destacando los retablos y los pasos procesionales. Se pretende instruir y despertar en los fieles con estas imágenes sentimientos de compasión o lástima. La realización de cualquier otro tipo de esculturas no relacionadas directamente con un motivo religioso cesa casi por completo. Además, se produce un aislamiento artístico, pues los escultores ya no viajarán por Europa para contemplar otras obras, sino que se limitarán al ámbito provincial.

El siglo XVII fue esencialmente mariológico por lo que una de las figuras más representada es la Virgen en su juventud o en su papel de madre que sufre. Pero también aparecen otras representaciones de la Virgen así como imágenes de Cristo en las que se le ve lleno de humanidad, como un hombre que sufre y padece, destacando sobre todo los episodios de la Pasión. Por otra parte, destacarán también las esculturas de santos (muchos canonizados en esta misma época) y ángeles.

Como material de la imaginería destaca la talla en bulto redondo de madera policromada y estofada. En estas figuras destaca el realismo, la verosimilitud, que se ve acentuada por el uso de postizos de pelo, cristal para los ojos y tela para los ropajes.

Dentro de la escultura barroca en España nos encontramos dos escuelas:

- La escuela castellana, que tiene como centro Valladolid. Este arte se caracteriza por su dramatismo y patetismo y por tratarse en muchos casos de grupos escultóricos. Entre los artistas tiene especial importancia Gregorio Fernández.

Dentro de esta escuela podemos destacar también el arte realizado en Madrid, representado por Manuel Pereira, por ser esta ciudad el núcleo de la Corte.

- La escuela andaluza, que tiene como centros Sevilla y Granada. Se trata de obras más elegantes y serenas, y destacan entre los artistas Juan Martínez Montañés, Juan de Mesa, Alonso Cano, Pedro de Mena, José de Mora, Pedro Roldán y su hija, Luisa Roldán, más conocida como "la Roldana".

Ya en el siglo XVIII destacará la obra de Francisco Salzillo, máximo exponente del pleno barroco, que irá evolucionando hacia el rococó y el neoclasicismo.

Romanticismo (tema)

El Romanticismo es un movimiento cultural (popular, literario, filosófico y artístico) originado en Alemania e Inglaterra a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo ilustrado y el arte neoclasicista, rechazando el seguimiento escrupuloso de la norma clásica y de la tradición grecorromana y priorizando la propia individualidad creadora y los sentimientos. Se desarrolló en la primera mitad del siglo XIX, extendiéndose a otros países.

La libertad auténtica es ahora una búsqueda constante, por eso su rasgo revolucionario es incuestionable. Es también el triunfo de la naturaleza y de lo espontáneo como nuevos ideales frente a la convención y a la historia. Supondrá, además, la defensa de una parte de la historia hasta entonces despreciada, la del mundo medieval y su arte, que, por su mimetismo vegetal, va a estar más cerca de la naturaleza.

Es propio de este movimiento una gran importancia de lo personal, un subjetivismo e individualismo absoluto, un culto al yo y al carácter nacional o “Volksgeist”, frente a la universalidad y sociabilidad de la Ilustración en el siglo XVIII. Este auge de lo nacional y del nacionalismo fue una reacción a la cultura francesa del siglo XVII, de espíritu clásico y universalista.

El Romanticismo también renovó y enriqueció el lenguaje y estilo neoclasicista a través de lo exótico y lo extravagante o buscando su inspiración en culturas bárbaras y exóticas o en la Edad Media, en lugar de en el mundo grecorromano.

Frente a la objetividad racionalista destaca ahora la subjetividad intuitiva. Los niños, la “voz del pueblo”, la naturaleza y la “sensibilidad femenina” reciben una valoración nueva y positiva. Pero la propia identidad masculina sufre una tremenda transformación: el hombre romántico es un hombre sensible al presente y al sufrimiento.

Así, la característica fundamental del Romanticismo va a ser la valoración de la sensibilidad sobre la razón, pues ésta, en lugar de ser algo común e igualitario, viene ligada a la vivencia individual, a la experiencia personal, a lo subjetivo. Se reclama la experiencia personal, la experiencia de los sentidos, como la única verdadera.

Esta importancia de los sentidos y la sensibilidad conlleva un factor de temporalidad, pues la mirada hacia el pasado sólo puede ser nostálgica y no una mera imitación. La sensibilidad exige una atención continua al aquí y al ahora, por eso se considera al romanticismo el principio de la importancia de lo contemporáneo. 

El Romanticismo tuvo fundamentales aportes en los campos de la literatura, la pintura y la música. 

Ya en el siglo XX, el surrealismo llevó al extremo los postulados románticos de la exaltación del yo.

Cubismo (tema)

El cubismo es un movimiento artístico que se desarrolló en Europa entre 1907 y 1914. Nace en Francia y sus máximos representantes son Pablo Picasso, Georges Braque, Juan Gris y Fernand Léger. Su nombre fue acuñado por el crítico de arte francés Louis Vauxcelles, quien dijo que era una pintura compuesta por "pequeños cubos".

Pablo Picasso - Las señoritas de Avignon

Se le considera la primera vanguardia por romper con el mayor canon artístico tradicional: el uso de la perspectiva. Ahora las formas serán representadas con figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Esto es lo que se llama "perspectiva múltiple": se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano, no existiendo la sensación de profundidad ni un punto de vista único.

En cuanto a la temática destacan los bodegones, paisajes y retratos, y en cuanto a las tonalidades, grises, verdes y marrones.

Posteriormente las pinturas evolucionarán y se incorporarán en ellas telas y otros materiales, llegando así al collage.

Marco geográfico de la civilización griega (historia)

Podemos dividir el territorio griego en dos partes: la Grecia continental y la no continental.

Grecia continental

Lo que tradicionalmente se entiende por Grecia corresponde geográficamente a la parte más meridional de la península de los Balcanes. Se trata de un país pequeño y montañoso sin espacio para fértiles llanuras o caudalosos ríos, lo que influirá en la vida y desarrollo de la civilización griega.

A grandes rasgos, podemos dividir la península helénica en dos grandes partes separadas por el golfo de Corinto.

A la escasez de importantes cursos de agua se añade un clima duro, con veranos largos y secos e inviernos húmedos, lluvias escasas y vientos recios.

La sociedad griega antigua era básicamente agraria, destacando el cultivo del olivo, la vid y los cereales (en especial la cebada). En la ganadería destacan ovejas y cabras, pues su pastoreo se adapta al terreno. Posteriormente surgirán la artesanía y la industria, en especial la de la cerámica. Pero quizás lo más significativo sea el progresivo aumento del comercio exterior, sobre todo marítimo por la dificultad de contacto terrestre, que favorecerá a todo lo anterior.

Grecia no continental

Desde sus inicios es clara la tendencia de la civilización griega a expandirse por mar en todas direcciones creando distintos núcleos de población. Así, podemos dividir la Grecia no continental en cuatro zonas: el anillo insular (islas que rodean la península helénica), la costa de Asia Menor, el sur de Italia y Sicilia (la llamada Magna Grecia) y otras costas del Mediterráneo (Francia, España y norte de África).

Marco geográfico de la civilización griega
Imagen: Wikipedia

Causas y efectos

El terreno en el que se asienta la civilización griega se caracteriza sobre todo por la ausencia de uniformidad, lo que influirá en muchos aspectos de su desarrollo.

El primero es el de la creación de la ciudad-estado, pues todos los núcleos de población tenían conciencia clara de que pertenecían a una misma estirpe, pero no aceptaban una identidad absoluta, manteniendo muchos rasgos diferenciadores entre ellos.

Al territorio se debe también la búsqueda de nuevos territorios, pues muchas veces las poblaciones se veían afectadas por la pobreza y la superpoblación. Así, la carencia de recursos da lugar a distintas colonizaciones por el Mediterráneo, pero desde el momento de la fundación estas colonias mantendrán siempre una independencia de todo tipo con la metrópoli, dando lugar a una ampliación igualitaria del mundo griego.

Además, esta expansión posibilita contactos con otras civilizaciones contemporáneas, lo que enriquecerá cultural e intelectualmente a la civilización griega. Pero no sólo eso, sino que además facilitará la helenización de buena parte del Mediterráneo.

Pintura veneciana (tema)

Lo que se conoce como "pintura veneciana" es un movimiento pictórico que nació en la República de Venecia en el siglo XVI y que posteriormente influyó en la pintura de toda Europa.

Entre sus representantes destacan los hermanos Gentile y Giovanni Bellini (como antecedentes), Giorgione, Tiziano, Veronés, Tintoretto y Canaletto.

Que este estilo se diera en Venecia se debe a su poderío económico, a su estabilidad política y a sus importantes contactos con Oriente.

Giorgione - Venus dormida

A partir de Giorgione se crea un nuevo estilo en pintura, que con una técnica más suelta o no tan dibujada consigue la primacía del color y la luz. También se usará la perspectiva área, no tan lineal como la usada hasta entonces. Se representa la ciudad con su propia atmósfera y de forma real, contrastando así su técnica y naturalismo con la pintura manierista.

Por lo tanto, este estilo se caracterizará por su luminosidad y colorido, que a su vez conformarán el espacio. Además asocian sus obras a lo sensual, frente a otros estilos o escuelas que prefieren el dibujo y lo intelectual, como la florentina.

Destacan los paisajes, las decoraciones en fresco de las scuolas (instituciones benéficas), los retratos y la pintura mitológica.

Ver también:

- La pintura del siglo XVI en Venecia (listado)

Estilo prerrafaelita (tema)

El estilo prerrafaelita es un estilo pictórico característico de la segunda mitad del siglo XIX en Inglaterra.

John Everett Millais - Ofelia (1952)
Tate Britain, Londres

Los prerrafaelitas rechazan las reglas del clasicismo académico y las convenciones victorianas de la época y descubren de nuevo a los pintores primitivos medievales y preconizan una reforma del arte para volver a la pureza original, inspirándose en los pintores de la Edad Media y del Primer Renacimiento anterior a Rafael. Rechazan las formas triunfantes y opulentas del clasicismo del siglo XVI para remitirse al del siglo XV, más severo y gráfico.

La hermandad prerrafaelita se funda en Londres en 1848 con los pintores William Holman Hunt y Everett Millais, el poeta y pintor Dante Gabriel Rossetti y otros.

Sus composiciones están teñidas de sugestión emotiva, atmósferas nostálgicas y evocadoras, alegorías y un simbolismo muy rebuscado. Su estilo se caracteriza por un dibujo refinado y elegante enriquecido con una amplia gama cromática y una intensa luminosidad. La temática está entre las tradiciones inglesas y Dante y los interiores burgueses contemporáneos, descritos con realismo minucioso.

Miran al pasado, pero sin olvidar la realidad en la que viven: se inspiran en Shakespeare y en los poetas románticos, pintan episodios bíblicos y escenas cotidianas de la sociedad victoriana...

Uno de sus principales defensores fue John Ruskin.

Introducción al arte barroco (tema)

El siglo XVII es el siglo en que el poder de la Iglesia contrarreformista y las monarquías absolutas llega a su apogeo, lo que requiere un estilo que ensalce su riqueza y su importancia política. 

El barroco se centra en la capacidad de comunicación de la imagen, en su poder de seducción y persuasión con gran agudeza realista y, sobre todo, sensorial y con la combinación o integración de todas las artes.

Se trata siempre de composiciones vitales, llenas de movimiento y patetismo, espacios arquitectónicos reales abiertos sobre espacios ilusorios creíbles por el uso de la perspectiva y alardes escenográficos. 

Además, las artes figurativas se vivifican y el límite entre lo real y lo ilusorio desaparece.

Se trata de una continua emoción visual creada por los materiales, técnicas y formas empleadas. Todo es presentado con grandeza escenográfica para asombrar y seducir. Se abandonan los principios ordenadores del Renacimiento (simetría y equilibrio) para conmover, asombrar y seducir al espectador.

Prevalecen las líneas curvas y diagonales, el adorno y el exceso de decoración.