Virgen de los palafreneros, Caravaggio (obra)

En la Virgen con el niño y Santa Ana o virgen de los palafreneros, obra de Caravaggio, la escena se resuelve con tres figuras que contemplan la serpiente bíblica. 

Virgen de los Palafreneros
Caravaggio

Se trata de un tema con muchas connotaciones contrarreformistas pues confirma algunas de las creencias que los protestantes en bloque rechazaban: el papel de María como mediadora para la salvación; el triunfo de la Iglesia para acabar con la herejía. La serpiente simboliza el pecado original y sin María nunca hubiera sido posible la redención. Como madre, sostiene al niño que pisa la cabeza del reptil mientras que santa Ana, con aspecto de matrona romana, contempla la escena en la distancia, en la que destaca la personalidad de cada una de las figuras en un espacio ambiguo.

Virgen de Loreto, Caravaggio (obra)

La Virgen de Loreto o virgen de los peregrinos es un retablo, obra de Caravaggio, destinado a decorar una capilla de la iglesia de San Agustín.

Virgen de Loreto o de los peregrinos
Caravaggio

Es una madonna de pie con el niño en brazos que recibe el culto de dos humildes peregrinos que se arrodillan ante ella.
Tanto los personajes como el escenario son totalmente humildes, una referencia histórica a la casa de María. Ella, sin embargo, posee una corporeidad sobrecogedora y está envuelta en una iluminación simbólica y mientras que a duras penas sostiene al niño, dirige una mirada de consuelo a los peregrinos.

La muerte de la Virgen, Caravaggio (obra)

La muerte de la Virgen
Caravaggio

La muerte de la virgen, obra de Caravaggio, es un retablo que tenía que presidir la iglesia de Santa María della Scala y estar dedicado a la muerte o tránsito de María, pero fue rechazado por falta de decoro y puesto a la venta. 

Se trata de una especie de monasterio donde se refugiaban las mujeres maltratadas o en peligro de prostitución y de otros males sociales. 

Por otro lado, mientras que los protestantes niegan la virginidad y el poder intercesor de María, considerándolo así sólo una muerte más, para los católicos es una muestra de humanidad que demuestra que al igual que ella todos los mortales resucitaremos después de la muerte.

En la obra todos rodean el lecho de muerte rezando, meditando o llorando, pero Caravaggio reinventa la historia. Insiste en un terrenalidad exhausta compuesta por una habitación humilde donde María yace rígida en un catre de madera. A su alrededor se encuentran San Pedro, San Pablo y María Magdalena, a la cual incluye en la escena por ser la referencia más directa para esas mujeres arrepentidas y maltratadas que buscan amparo en la Iglesia.

El entierro de Cristo, Caravaggio (obra)

El entierro de Cristo, El Santo Entierro
o El Descendimiento
Caravaggio

En El entierro de Cristo, Santo Entierro o Descendimiento Caravaggio reúne todos los recursos del arte barroco.

La disposición de las figuras describe una diagonal que indica el movimiento descendente de los personajes y marca el clímax ascendente que culmina en el ángulo superior derecho. Nos encontramos así ante un esquema compositivo muy compacto en el que destaca el oscuro fondo neutro y en el que entramos por el escorzo de la losa que simboliza la piedra angular de la iglesia. El cuerpo de Cristo, cuya anatomía recuerda a la obra de Miguel Ángel, es sostenido por San Juan y Nicodemo, cuyo rostro, vuelto hacia el espectador, refleja pesadumbre y esfuerzo. Detrás, la Virgen mira ensimismada y a su lado María Magdalena enjuaga las lágrimas en su pañuelo. Sólo María Cleofás agita la escena alzando los brazos al cielo en un gesto de súplica.

Prendimiento de Cristo, Caravaggio (obra)

En el Prendimiento de Cristo Caravaggio debió pensar que nada mejor que la tiniebla para pintar una traición.

Caravaggio - El Prendimiento de Cristo

El escenario es un fondo neutro en el que se proyectan sombras y figuras. Éstas se mueven en un primer plano y con gran variedad de rostros, sentimientos y actitudes.

Caravaggio une el relato de cómo los evangelistas cuentan la traición de Judas y el beso que éste le da a Cristo, creando una escena de gran dramatismo y tensión en la que la luz procede de algún lugar a la izquierda del cuadro pero fuera de él, que armoniza los colores, resalta las texturas y acentúa la tragedia.

Además, escoge la composición elíptica, lo que contribuye a la secuenciación de gestos, miradas y movimientos, resaltando la mansedumbre de Jesús.