Franz Kline (tema)

Franz Kline (1910-1962) fue un pintor estadounidense relacionado con el expresionismo abstracto de los años 40 y 50. Su obra es gestual (también denominada "action painting" o "pintura de acción"), al igual que la de Pollock.
Durante los años 30 y 40 su obra es figurativa, con paisajes, vistas de ciudades, retratos y murales. Poco a poco va desarrollando un estilo más personal y abstracto, con formas cada vez más simplificadas.

Formas blancas (1955)

En los años 50 crea en el lienzo algo parecido a ideogramas chinos (aunque él negará la influencia oriental), o parte de ellos, abstractos y enormemente ampliados que basan su efecto en el recio contraste de pinceladas negras sobre fondo blanco. La pintura parece que se usa sólo por razones de amplitud y de escala. Su brochazo es furioso, como una gruesa y tosca tachadura, y pinta tanto el blanco como el negro porque para él los dos tienen la misma importancia. No rechaza las sugerencias urbanas que puedan evocar sus trazos, sino que se puede considerar un recuerdo tardío de sus obras anteriores a esta época en las que pintaba la ciudad de Nueva York con formas heredadas del realismo de los años 30.
Este estilo tan característico fue producto de las sugerencias e influencias que sobre su arte tuvo su amigo Willem de Kooning.

Cuando, en los últimos años de su vida, el color comienza a tomar parte de su obra, los resultados no fueron afortunados, porque el espectador nunca tiene la impresión de que el color sea esencial para la expresión de su mensaje. Sus fines son meramente cosméticos.

Willem de Kooning (tema)

De Kooning pone de manifiesto en su obra que lo verdaderamente importante es el proceso de pintar, afirmando entonces que el objetivo del expresionismo abstracto no era la abstracción, sino la expresión, la manifestación de una condición espiritual.

Willem de Kooning.
Woman, I. 1950-52

Su estilo tiende a subrayar el componente expresionista del expresionismo abstracto a expensas de la abstracción. Maneja imágenes que parecen surgir de la textura de la pintura para recaer en el caos que les dio forma. Lo que le distingue de los expresionistas contemporáneos europeos es su audacia característicamente estadounidense y el sentido de la escala que aparece en sus cuadros, aunque su obra es un importante punto de contacto entre el arte europeo y el americano, e, incluso, anuncia ciertos aspectos del pop art.

Hay que decir que de Kooning fue expresionista en sus orígenes, pero en Estados Unidos libera a éste de significado, elimina toda la carga social que lleva con él y se centra en la angustia individual del ser humano. En los años 40 su pintura es monocroma, con esmalte blanco y negro, sin distinción entre figura y espacio. Entre 1954 y 1950, en pleno apogeo de la abstracción, introduce la figura e inicia un tema que será esencial en su pintura: las “Mujeres”. Unas mujeres fuertemente expresivas, convertidas en mil trozos por los pinceles o las brochas y los mil colores que aplica el artista. En los 60 siguió con las referencias naturalistas en sus cuadros, pero esta vez de paisaje formado por grandes manchas de color aplicadas violentamente.

Arschile Gorky (tema y listado)

La obra temprana de Arschile o Arshile Gorky (realizada en una situación de extrema pobreza) muestra un avance ininterrumpido a través de los estilos modernistas básicos, típico de un artista que es consciente de su aislamiento en un ambiente provinciano. Absorbió primero la lección de Cézanne y luego la del cubismo. En los años 30, bajo la influencia de Picasso, ya tendía hacia el surrealismo. Luego llegó la guerra, y es entonces cuando él empieza a explorar con mayor audacia.

La tradición surrealista ofrecía entonces dos caminos: el estilo meticulosamente detallado de Magritte y Dalí o el estilo biomórfico de Miró o Tanguy, en los cuales las formas se limitan a insinuar su semejanza con objetos reales. Gorky adoptó este método y lo usó con creciente audacia. Por otra parte, le quita la literatura surrealista a sus imágenes, que tendrán un significado nuevo sólo dentro del cuadro en relación a las otras que les acompañan.

Gorky - Combate enigmático

Además estuvo influido de manera especial por Roberto Matta y André Masson, de quien se nota la doble lectura de las obras, figurativa y abstracta. El color aún depende del dibujo y ocupa los vacíos que él deja, pero empieza a mostrar su autonomía gracias a la ligereza de la materia. No se puso en contacto con André Breton hasta 1944, y esto completó su liberación (sobre todo en el uso de los materiales) como artista. Destaca también la teoría del arte que desarrolla en esta época: “Cuando se termina una cosa, quiere decir que ha muerto. Yo creo en la eternidad, de modo que nunca termino un cuadro, lo que hago es, simplemente, dejar de trabajar en él durante una temporada.” Esta idea de una “dinámica continua” iba a tener un papel importante en el expresionismo abstracto, y sobre todo en la obra de Jackson Pollock. Otra idea que desarrolla en esta época y que será la base del expresionismo abstracto junto con la anterior es la presencia y la fuerza de lo primitivo, en su caso los mitos de su Armenia natal.

Gorky fue probablemente el surrealista más importante que ha tenido Estados Unidos.

Algunas de sus obras son:

- Composición con verduras

- Abstracción con paleta

- Nocturno, enigma y nostalgia

- Combate enigmático

- Jardín de Sochi

Yves Tanguy (tema y listado)

Yves Tanguy - Muerto acechando a su familia

Se trata de un pintor surrealista que fue admitido en el círculo de André Breton en torno a 1924.

Los cuadros de Yves Tanguy tienen un estilo único, reconocible rápidamente, de un surrealismo abstracto. Muestran paisajes vastos y abstractos, en su mayor parte con una paleta de colores muy limitada, mostrando sólo destellos de colores que contrastan. Típicamente, estos paisajes de ensueño están poblados por formas abstractas variadas, a veces angulares y agudas como fragmentos de vidrio, otras veces con un aspecto orgánico interrogante, como amebas gigantes repentinamente petrificadas.

Algunas de sus obras más importantes son:

- Muerto acechando a su familia

- Ni leyendas ni figuras

- Todavía y siempre

- Divisibilidad indefinida

- La dama ausente

- Números imaginarios

Introducción a las basílicas patriarcales de Roma (tema)

El título de basílica mayor o patriarcal fue introducido por el papa Bonifacio VIII, quien en su bula "Antiquorum fida relatio" de 1300 estableció el Año Santo y estableció el perdón de los pecados para los peregrinos que visitaran los sitios de enterramiento de los apóstoles Pedro y Pablo. En el año 1350, Clemente VI añade otra visita para la indulgencia: la que había que hacer a San Juan de Letrán. En el jubileo de 1390 se añade a la lista la iglesia más antigua dedicada a la Virgen María.

Por tanto, los cuatro templos católicos, situados en Roma aunque realmente sean territorio Vaticano, que reciben el nombre de "iglesias patriarcales" son:

- San Pedro del Vaticano

- San Pablo Extramuros

- San Juan de Letrán

- Santa María la Mayor

Las reglas del método, Descartes (tema)

En las "Regulae ad directionem ingenii", Descartes propone 21 reglas "fáciles y ciertas" que impidan tomar lo falso por verdadero, sin grandes esfuerzos mentales y aumentando gradualmente la ciencia.
Sin embargo, en el "Discurso del Método" Descartes reduce las reglas a cuatro para una mayor eficacia y rigor.

Primera regla

Constituye tanto el punto de partida como el de llegada. Se trata del principio normativo fundamental: "Nunca acoger nada como verdadero, si antes no se conoce que lo es con evidencia. [...] no abarcar en mis juicios nada que esté más allá de lo que se presentaba ante mi inteligencia de una manera tan clara y distinta que excluía cualquier posibilidad de duda." Todo debe converger hacia la claridad y distinción, a las que se reduce la evidencia. El acto mediante el cual se logra ésta es la intuición, "un concepto de la mente pura y atenta, tan fácil y distinto que no queda ninguna duda alrededor de lo que pensamos", un acto que se autofundamenta y se autojustifica.

Segunda regla

"Dividir todo problema que se someta a estudio en tantas partes menores como sea posible y necesario para resolverlo mejor". Es una defensa del método analítico, el único que puede llevar hasta la evidencia, porque al desmenuzar lo complicado en sus elementos más sencillos se disipan las ambigüedades. Se trata de una fase preparatoria esencial.

Tercera regla

Al análisis debe seguir la síntesis. Ésta debe partir de elementos absolutos o no dependientes de otros, y llevar hacia los elementos relativos o dependientes, dando lugar a una cadena de argumentos que iluminan los nexos.

Cuarta regla

Para impedir la precipitación hay que controlar los pasos individuales. "La última regla es la de efectuar en todas partes enumeraciones tan complejas y revisiones tan generales que se esté seguro de no haber omitido nada."

Se trata de reglas simples, algo característico de toda la obra de Descartes, que subrayan la necesidad de que se tenga plena conciencia de los pasos a seguir para una investigación rigurosa. Son el modelo del saber porque la claridad y distinción evitan los posibles equívocos o las generalizaciones apresuradas.